La invención de Hugo Cabret, la fábrica de sueños

Trama (sin spoiler):

Hugo Cabret (Asa Butterfield) es un niño francés de diez años. Huérfano, trabaja furtivamente como relojero en la estación de trenes de París. Su mundo es pequeño, mas de grandes esperanzas y fantasías. A punto de culminar su invención, lazo indeleble con su difunto padre, encuentra contratiempos y alegrías con George (Ben Kingsley), el juguetero malhumorado, y su pequeña  y  curiosa hija Isabelle (Chloë Grace  Moretz).  Su invento encierra misterios ligados a los inicios de la historia del cine.

Análisis y crítica:

Con los temas de la creatividad y de la frustración, Hugo nos presenta los asuntos narrativos de reparar un juguete humanoide y de descubrir el pasado del juguetero, don George; integrados en el asunto argumental de superar la melancolía y encontrar nuestro lugar en el universo. El mensaje es que nunca debemos abandonar nuestros sueños.

La historia de 126 minutos contiene otras ideas positivas como la amistad, la solidaridad, la perseverancia, la creatividad, la ilusión, la esperanza, la inteligencia, la habilidad, la admiración, el respeto y el amor; negativas como el coraje, el miedo, la derrota, el apego, la mentira, la soledad y el olvido.

Película de planteamiento complejo y rumbo novedoso, en el que un niño tendrá que ser perseverante hasta un punto límite con tal de reencontrarse de una manera mística y emotiva con su padre; pero esta nueva unión puede darle un nuevo rumbo a su existencia y a la de don George, un malhumorado juguetero de la estación de trenes de París. La invención de Hugo, piensa él, le entregará un mensaje fundamental de su padre ya difunto.

El guion es muy elaborado y toca puntos muy sensiblez de la condición humana. La soledad y la búsqueda de la felicidad a través de la amistad y la familia, se ponen de énfasis durante todo el metraje. Un tinglado de efectos especiales efectivos, a pesar de ser discretos respecto a otras cintas, le aportan mucho a la narrativa fílmica.

Una cinta donde el 3D es pieza fundamental y se aprovecha para describir los hilos argumentales. Así, se disfruta a cada segundo y nos va aportando elementos para entender y sentir las escenas.

Los diálogos son elaborados y punzantes. Desarrollan los planos y trasmiten las ideas y sentimientos de los personajes. Con pocos cliches, el libreto plantea escenas rápidas, fugaces y siempre justificadas. Aunque de existir un poco más de desarrollo en las relatos de soporte, sería redondo.

El desarrollo de los personajes es perfecto y empatan las historias de los protagonistas con las de los secundarios. Los misterios se van resolviendo en su justo ritmo y momento; si bien, les falta un poco de explotación a la subtramas románticas del vigilante de la estación y la florista, y la de la amistad entre Hugo e Isabelle, sin que ello genere mayor problema para el disfrute o la calidad conjunta de la película.

El maestro Martin Scorsese, irreconocible pero magnífico, crea un un film eterno de imborrables escenas, con un argumento impecable que desarrolla dos historias particulares que se observan sin tocarse: la de Hugo y la don George. Además, representa al mismo tiempo un profundo y entrañable homenaje a los inicios del cine.

Una creación fílmica dificil de encasillar en un sólo género. Representa un combinación sui gereris y una acabada forma de creatividad conjunta entre actores, director, productores y equipo técnico. Entretiene y emociona en cada plano. La cinta le llega a chicos y grandes por igual, gracias a demoledoras escenas que penetran el corazón.

Su ritmo es rápido, vertiginoso en lapsos; la descripción de la época y del país, sorprendente; y la edición integral, inteligente y productiva. 

La música de Howard Shore resulta muy elocuente y descriptiva, llevándonos a los sentimientos de los personajes y del propio Scorsese, con un logrado homenaje hacia el cine y al personaje de Georges Méliès, productor, director, guionista y actor galo de los años veinte.

El reparto logra alto nivel actoral. Menciones especiales para Ben Kingsley y Asa Butterfield; cada uno, por su parte, imprime su personal sello y nos impacta como espectadores con inolvidables escenas y emociones ostensibles.

Clhoë Moretz otorga otra gran interpretación y es la piedra angular y unión de todas las tramas y subtramas. Naturalísima. Por su parte, Sasha Baron Cohen encarna a un muy simpático (y a veces antípático) policía ferroviario. Sin olvidar a los prudentes Emily Mortimer, Christopher Lee, Frances Stuhlbarg, Richard Griffiths, Jude Law y Helen McCrory.

Gran homenaje al cine y a la inventiva del ser humano. Una obra irrepetible que nos lleva en una montaña rusa de emociones. De esas películas que te dejan una sonrisa en los labios y una lágrima en la mejilla.

Año: 2011

Género: fantasía, aventura, drama, misterio

---------> Valoración numérica: 10

1) Dirección: 10

2) Guion: 9.5

3) Actuaciones: 9.25

--- Protagonistas 9.5

--- Secundarias: 9

4) Complementos: 9.5

--- Argumento: 10

--- Originalidad: 9

--- Diálogos: 9

--- Disfrute: 10

5) Extras: 4 décimas por dirección artística, efectos visuales, música y montaje; 15 centécimas por fotografía, vestuario y sonido.

Trailer

Koyaanisqatsi, vida fuera de equilibrio

Trama (sin spoiler):

Una visión verda- deramente artística del urbanismo y la  tec-nología inventados por el hombre y del desenfrenado movi- miento en las ciudades, en contraste con los ambientes naturales. Construcción  versus  destrucción; caos versus orden; falsedad versus realidad; cultura versus natura.  Pa- norama apocalíptico de las graves conse-cuencias  sufridas por el mundo natural a costa de los beneficios supérfluos de la cultura y de la sociedad; efectos que eventual y fatalmente habrán de sobrevenir, destruyendo nuestro mundo. Bellas y estremecedoras imágenes y banda sonora provocan emociones continuas en el espectador.

Analisis y crítica:

El documental Koyaanisqtsi, escrito y dirigido por Geoffrey Regio, es la primera parte de la trilogía Qatsi, palabra hopi que significa "vida fuera de equilibrio". En él se busca encontrar la belleza en el conjunto tecnológico y urbanístico modernos en movimiento, sin olvidar la importancia del sistema natural de nuestro planeta, como semilla única de la creación y de la vida.

El tema del caos se plasma con un discurso de imágenes acompañadas  sólo de música, sin diálogo ni narración alguna. Discurso impecable, creativo, impactante, emotivo. Arte puro en pantalla, caldo de cultivo de impresiones profundas, con plano-secuencias larguísimas e interesantes, directas al alma.

Habitamos en una realidad aparente. Nada es creativo, sino copia de otra copia. Todo cambia, pero todo sigue igual: es un continuo círculo infinito. Lo artificial, con máquinas, motores y otros elementos tecnológicos, resuelve multitud de problemas humanos, a costa de configurar riesgos más profundos.

El urbanismo nos impide ver la belleza primigenia de la Tierra. No podemos percatarnos de que somos parte de la naturaleza y de que compartimos el mundo con otros seres vivos no racionales (pero tampoco perjudiciales).

En mi particular opinión, el mensaje que viene adscrito a la película se configura como una advertencia hacia los riesgos del desequilibrio  natural, provocado  por las conductas irracionales de la sociedad moderna. Es necesario frenar el ritmo del progreso científico y tecnológico, para hacerlos sustentables con la vida natural y evitar así un irremediable colapso futuro.

Al principio pareciera que la monotonía y el aburrimiento nos absorveran por 86 minutos. Sin embargo, las tremendas imágenes; grandes tomas abiertas y panorámicas; elocunte, impetuosa y original banda sonora; y la versatilidad narrativa y de rápido ritmo nos impiden distraer nuestra atención, ni por instantes.

Y cuando todo termina no lo puedes creer y te quedas con ganas de seguir presenciando ese singular espectáculo, ese concierto a la altura de los grandes maestros de la música clásica... esa danza perfectamente coordinada de elementos artificiales cual si cobraran vida.
.

Cada quien obtendrá su propia interpretación por medio de los sentimientos y emociones que les genere el documental, acaecidas a cada segundo del metraje. El interés por las descripciones visuales y auditivas es constante, complejo y permanente.

Un limpio y fantástico trabajo de fotografía y edición, sin duda de los mejores en la historia. La intercalación de escenas, la diferenciación de ambientes, las cámaras rápida y lenta empleadas magistralmente, la calidad artística de las imágenes, la punzante banda sonora del maestro Philip Glass (también en su mejor trabajo) y la perfecta sincronía entre imágenes y sonidos, son un goce para la vista, el oido y el espíritu. Aunque, sin duda, lo importante de Koyaanisqatsi es provocar interés, porque el significado depende de cada uno.

Obra maestra absoluta: emotiva e inquietante. Simplemente imperdible.

Año: 1983

Género: Documental

------------------> Valoración numérica: 10

1) Dirección: 10

2) Planteamiento: 10

3) Técnica: 4 décimas extra por fotografía, música, montaje y sonido

Trailer:

Las Aparicio, la mejor serie mexicana de la historia

Tras el final de Las Aparicio, hace poco más de una semana, entre en conciencia de que es imprescindible para mí, hablar de la estupenda teleserie mexicana de 120 capítulos que tanto disfruté, para felicitar ampliamente y hacer un modesto homenaje a todos los que en ella intervinieron.

Bajo el sello de Argos Comunicaciones, la producción general de Epigmenio Ibarra y la dirección de Moisés Ortiz Urquidi, en el 2010 llega a México este interesante proyecto, constituyéndose como la mayor sorpresa televisiva y fenómeno mediático  en años. Única en su tipo por la temática vanguardista, valiente y propositiva.

Aunque tiene algunos chispazos de feminismo, posee la gran virtud de conservar la objetividad y veracidad durante todos sus capítulos, respecto a la situación e importancia actual de varones y mujeres en la vida social contemporánea.

Las Aparicio, una familia integrada sólo por hembras, ya que pesa sobre ellas la maldición de que se les muera cada hombre que se les cruza en el camino. Ello les genera la sospecha de que ya son mujeres completas y que seguirán solas. Todas son bellas, fuertes, exitosas e independientes, y aunque digan que no necesitan media naranja, disfrutan en demasía de la compañía, apoyo y placeres que los hombres les pueden regalar.

Aunada a las historias de la familia Aparicio, la serie pone el dedo en la llaga del problema de la desigualdad de géneros y concientiza eficazmente al televidente sobre la urgente necesidad de superarlo.

Lo mismo se abordó la violencia intrafamiliar, el sojuzgamiento de la mujer por el marido, la libertad sexual,  las necesidades ocultas de los hijos y el matrimonio y la paternidad gay, que incluso la influencia del narcotráfico en las autoridades políticas, los abusos gubernamentales, los poderes fácticos de las televisoras y la importancia del activismo social.

Todas los casos presentados son realistas, entrañables y hasta educativos; algunos llegan a conmover por su inmejorable planteamiento, desarrollo y descenlace y sus personajes están dotados de gran construcción, evolución y resolución.

Me agrado especialmente el extraordinario y eficaz manejo del realismo mágico y la ejecución magistral de Marco Trevillo. Máximo, su personaje, resulta entrañable: recuerdo personificado que sólo interactúa con Alma, Rafaela y Leonardo, con quienes guarda profundísimos vínculos, siendo el hilo conductor del relato de su esposa en vida, Alma, dando las pautas de su pasado, presente y futuro... una bocanada de aire fresco en cada episodio.

Por igual ese sublime erotismo de muchísimas escenas, llevado a la perfección por los actores; es fino, satisfactorio y veraz. Los momentos de humor son agradables aparte de útiles para aligerar el tono dramático, sin caer en simplismos ni denigrar a nadie. Y la música incidental de antología, que dota de gran personalidad al proyecto (muy bella y original).

Además de contar con una realización técnica impecable, de destacadísima edición, dirección de arte y sonido. Sumada a un guión inteligente, novedoso y coherente con todos los elementos internos; a una dirección totalmente eficaz, donde no se descuidó el más mínimo detalle y generó un ritmo ágil y una narrativa fascinante y aleccionadora, bien equilibrada entre las tres tramas principales y las subtramas accidentales; y a un conjunto de actores de lujo, donde todos entregan la mejor interpretación de su carrera, de manera sobria, mesurada y convincente.

Una producción donde todos los histriones invitados vienen a sumarle puntos a la presentación con su buen desenvolvimiento. Reconocimiento especial para Damián Alcazar y Joaquín Cosio, actorazos que no desentonan con su breves intervenciones interprentando, respectivamente, a Hernán y a un padre católico muy moderno, sino que aportan todavía más a la exquisités televisiva.

Empero, he de señalar que las protagonistas son las mejores del elenco dando vida a tres medias hermanas, quienes para lograr su plenitud existencial tendrán que sobreponerse a sus ocultos fantasmas y, particularmente, al miedo a perder a sus respectivas parejas a causa de la maldición.

Gabriela de la Garza es el pilar principal de toda la serie, ejecutando con brillantez, absoluta credibilidad y sin falla, el difícil personaje de Alma, una valiente e inteligente terapeuta sexual, muy peculiar por cierto.

En su negocio, un centro cultural denominado "El Atelier", lo mismo da clínicas sobre temas femeninos y alberga exposiciones de arte, que ayuda a las mujeres a superar sus problemas psicoemocionales, facilitándoles la compañía íntima de alguno de sus tres escorts.

Ileana, su hija adolescente de dieciocho años (interpretada de manera sorprendente por la excelente Paulina Gaitán), es su mayor dolor de cabeza, sobretodo por sus conservadoras ideas y sus actitudes intransigentes; pero representa su más grande amor.

 Alma conoce entonces a un misterioso hombre que verdaderamente la inquieta en el plano sentimental (Leonardo, personificado por Plutarco Haza), luego de muchos años como viuda; aunque sigue ligada en espíritu a su fallecido esposo, Máximo de LaCroaix (interpretado por Marco Treviño), un adinerado y poderoso hombre de negocios cuya extraña muerte nunca pudo ser esclarecida, ni tampoco las dudas sobre sus operaciones financieras.

Por si fuera poco, Alma siente al mismo tiempo una fuerte atracción por Alejandro (realizado con naturalidad absoluta por Erick Hayser), uno de sus “terapeutas”, lo que complicará aún más su tránsito de la libertad absoluta de la soltería, a la responsabilidad y el compromiso de tener una pareja estable.

Ximena González Rubio interpreta a Mercedes, voluntariosa y sexy abogada que tiene que volver a trabajar luego de perder a su marido, quien murió cuando hacia el amor con su amante.

Por ello, Mercedes ha perdido la fe en los hombres; sin embargo, su nueva faceta profesional le abrirá los ojos, la mente y el corazón, al reencontrarse con Claudio, un antiguo compañero universitario (personificado por Eduardo Victoria). Isadora, su pequeña hija de diez años, es su motivación más fuerte para seguir adelante.

La tercera protagonista es Julia, encarnada por Liz Gallardo. Joven mujer de veinticinco años, actriz y cocinera. Enamorada de un exitoso futbolista profesional. Pero su carácter dubitativo y soñador y los concejos de Mariana, su mejor amiga gay (interpretada por Eréndira Ibarra), podrían orillarla a dar un giro de 180 grados a su destino.

No puedo olvidarme de la madre de todas ellas, la tres veces matrimoniada y viuda Rafaela Aparicio (encarnada por la gran actriz María del Carmen Farias): sobreprotectora, fuerte y valiente. Intimidante en lo exterior, pero de buenos sentimientos y gran inteligencia para apoyar a sus hijas.

Su cómplice y mejor amiga es Aurelia (interpretada de manera brillante por Lourdes Villarreal), su ama de llaves, señora que a pesar de conservar arraigadas tradiciones y valores ha sabido adaptarse a los tiempos modernos, no sin antes superar algunas de sus profundamente enraizadas trabas mentales.

A ella le toca la importante tarea de introducirnos, por medio de una corta narración, a la temática de cada episodio para entenderla mejor, con interesantes reflexiones sobre la vida, las mujeres, los sentimientos, los valores y demás cuestiones sociológicas o filosóficas, de manera coloquial y directa.

Además, cierra cada capítulo con breves e importantes ideas conclusivas, muy aleccionadoras y que inspiran a la reflexión.

Esta teleserie fue la producción más galardonada en la pasada entrega de los Premios del Festival y Mercado de la Telenovela Internacional (FyMTI), llevada a cabo en Buenos Aires, Argentina, en septiembre de 2010 (enlace al artículo completo).

Ya no me resta más que recomendarles que no se pierdan Las Aparicio, sin duda la mejor serie que ha generado nuestro país y que será difícil de emular en muchos años.

Visiten la página oficial: http://www.lasaparicio.com/

Tango de Las Aparicio

Trailer


Avance



Elefante, cuando la vida se vuelve estéril

Trama:

Varios jóvenes, estudiantes de la escuela secundaria de un pequeño condado en EE. UU., prosiguen sus existencias normales, sin preocuparse por los demás, ni siquiera por sí mismos; resuelven como pueden sus problemas y disfrutan de las satisfacciones propias de su edad y condición humana. Los adultos tampoco les prestan un real interés. En circunstancias como éstas, hay pocas posibilidades de que la sociedad tome conciencia sobre los conflictos y ocultos riesgos que pesan sobre las personas en esa etapa de inmadurez. Por ello, dos alumnos tomarán acciones fuertes que destruirán la tensa calma.

Análisis y crítica:

.

“Elefante”, como título evocativo, implica que cada uno de nosotros se asemeja a un paquidermo. Todos sabemos que son muy inteligentes y recuerdan todo; sin embargo, se desplazan tranquila y lentamente. La metáfora es que los seres humanos llegamos a un punto de nuestra existencia donde, a pesar de nuestra esencia racional, estamos impávidos, inmóviles, aletargados en el plano emocional; también semiconscientes de nuestra realidad y nuestro entorno.

Así, nos hallamos tan indefensos como los elefantes, de ser cazados o dañados por otros, o simplemente somos incapaces de auxiliar a nuestro prójimo. Seguro vemos el problema global, como seguro vemos al gran elefante, pero preferimos darle la vuelta.

La película Elephant gira en torno al tema de la adolescencia. Nos presenta el asunto narrativo de mostrar los diversos problemas y peligros que pesan sobre los jóvenes, como elemento básico y clave que son del presente y futuro del conglomerado social; también el asunto argumental sobre la importancia del otorgamiento de una adecuada atención a las necesidades de los adolescentes.

En tanto, el mensaje es que en nuestro días cada miembro de la sociedad está siego y sordo ante la cruda realidad del mundo, absorto en su individualidad, aunque tampoco se conozca bien a sí mismo, por lo que orilla a los jóvenes a enfrentar por su propia cuenta graves peligros y a que no logren una vida plena.

Tras visionar el film, les surgiran varias preguntas obligadas: ¿quién soy?, ¿de dónde vengo?, ¿hacia dónde voy?, ¿cuál es el sentido de mi existencia?, ¿todavía puede salvarse la especie humana?

La historia, basada en hechos reales, presenta múltiples conceptos negativos como son el aburrimiento, el abuso, el engaño, la debilidad, la cobardía, el egoísmo, la violencia, el libertinaje yanqui respecto a la posesión privada de armas de fuego, la falta de valoración hacia la vida humana, el desinteres, la inconsciencia y la discriminación; algunos positivos como la amistad y la solidaridad.

.

La dirección de Gus Van Sant es excitante, perfecta e implacable, brindándonos una película con ritmo satisfactorio (y que va in crescendo), escenas completamente convincentes y de tremenda e impecable narrativa, sin necesidad de utilizar artificio alguno, apelando únicamente a su magnífica descripción cinematográfica y al raciocinio del espectador. Se ve la intención de Van Sant de no manipularlo.

El diálogo de imágenes se acerca mucho al de un coherente documental, aderezado de interpretaciones medidas y antiemocionales y del manejo de trascendentes tópicos sociológicos, ocultos tras un ligero velo de frialdad. Además, la dirección logra que todos y cada uno de los actores alcance una elevada calidad histriónica.

Así, la obra es muy disfrutable gracias a lo interesante de la presentación en conjunto, a pesar de que por largos momentos no pasan muchos ni trascentestes sucesos y se percibe una especie de tedio en la trama y sus personajes, parecido al que de tiempo en tiempo ocurre en la vida cotidiana, el cual trasciende de los fotogramas para anidar en el espíritu de los cinéfilos... ha nacido un film de arte espléndido.

Tenemos pues una película de planteamiento muy original para un drama, con un estilo peculiar e interesante, dejando gran impresión artística. El relato es de naturaleza compuesta (varios puntos de vista para el mismo hecho) y circular (intercala presente con pasado).

Sumado al argumento, el guión es perfecto e inteligente en su desarrollo y resolución. Todas las escenas que se configuran están justificadas, son eficaces y regalan nuevos elementos al espectador, que paulatinamente se adentra en la trama, volviéndose más y más interesante durante el transcurso del metraje.

Los personajes se hayan adecuadamente construidos y desarrollados y las tramas paralelas, relativas todas a los conflictos y delicadas situaciones de los jóvenes, son atractivas y profundas, útiles para amalgamar en la mente del público todas las ideas inmanentes y discretas que el director y el guionista pretendían transmitirle desde un inicio, de manera paulatina y exigiendo profundas reflexiones; así, nos queda claro el poderoso mensaje.

Uno de los manejos de cámara y de edición más sobrias y eficaces que jamás he visto, donde las largas secuencias de tomas semi-cerradas, en su mayoría, nos adentran al tono artístico y sombrío del film, evitando los excesivos cortes e intercalación de escenas, para el logro de una transmisión directa y espontánea de los sublimes conceptos de crítica social. Cada quién los podrá interpretar de acuerdo a su propia consciencia y antecedentes vivenciales para luego, en su caso, conmoverse, indignarse o sentir impotencia.

Los instantes de cámara lenta son sublimes en su espresión artística; aunados a los breves momentos románticos, que convencen y aligeran la trama.

Y los diálogos, que no son muchos en relación al metraje, son muy buenos para lograr el extraordinario resultado de la película, gracias a su realismo, claridad y oportunidad. Por si fuera poco, los lapsos silentes del libreto están concebidos con elevada maestría, y no olvidemos el impacto emocional que se logra con la excelsa utilización de la música clásica.

Aunque el final es predecible, el hecho se entiende ya que así se planteó desde el principio y era necesario para poder irnos adentrando y comprendiendo el relato compuesto y circular de forma paulatina y eficiente; es decir, está completamente justificado. Además, es adecuado para concluir con una obra maestra y redonda, congruente con el exquisito guión y, sobretodo, es impresionante: tan explícito, valiente, vigoroso y crudo, que golpeará fuertemente a su ser interior.

Debo recomendarles que se deleiten a la brevedad posible con este film cumbre en el género dramático, bajo la advertencia de que no es fácil de digerir.

¡Obra de arte absoluta!

.

--- SPOILER ---

En la escena en que el último protagonista toca el piano de manera sobresaliente, se denota el contraste de su personalidad, porque por un lado es un artista sensible y por otro un asesino inconsciente. A partir de ella, se decantan los trágicos acontecimientos de la tercera y última parte del film, la del decenlace.

El ejecución de los alumnos del colegio por parte de dos de sus compañeros, ejemplifica perfectamente la incapacidad emotiva y la lenta o nula reacción para resolver o detener los problemas, planteada desde el principio del metraje y desarrollada en él, por parte tanto de los adolescentes como de sus padres y maestros.

Todos nos preguntamos: ¿por qué lo hicieron? (por mi parte reflexiono si fue para protestar por la injusticia, para divertirse o simplemente para eliminar algunas inútiles y mundanas vidas).

--- fin del SPOILER ---

Año: 2003
Género: Drama

-------------> Valoración numérica: 10

1) Dirección: 10 (33%)

.

2) Desarrollo del guión: 10 (33%)

3) Actuaciones (prom.): 9.5 (16.5%)

--- Protagonistas: 9.5
--- Secundarias: 9.5

4) Aspectos complementarios (prom.): 9.87 (16.5%)

--- Disfrute: 10
--- Argumento: 10
--- Originalidad del guión: 10
--- Diálogos: 9.5

5) Técnica: 2 décimas extras por edición y fotografía

Magnolia, el existencialismo en imágenes

Trama (sin spoiler):

Un film com- plejísimo que requiere de amplias refle- xiones por parte del espectador. Se inicia con una serie de indi- viduos que se enfrentan a sus problemáticas  _ realidades, con- dicionadas en gran medida por sus circunstan- cias de vida; entre ellos hay cierta relación directa o indirecta. Lo que en apariencia es bueno, puede no serlo en verdad, o bien no ser efectivo para alcanzar el éxito y la felicidad. Así, cada uno de los varios protagonistas estará obligado a tomar trascendentes decisiones si no quieren que el destino los arrastre hacia lugares inhóspitos.

Análisis y crítica:

Con el tema de la insatisfacción, Magnolia nos presenta el asunto narrativo de confrontar el conflicto existencial humano, en sus formas de tendencia a la autodestrucción, a la muerte, al engaño, a la superficialidad, a la excesiva acumulación de riqueza, al agocentrismo, al autoritarismo y al fanatismo; también el asunto argumental de superar los remordimientos y el subsecuente arrepentimiento, derivados de las malas decisiones asumidas en la vida cotidiana. En tanto, el mensaje es que nunca es tarde para tomar conciencia de nuestra real situación dentro de la sociedad y de la familia, para modificar nuestra actitud interna y externa.

La historia maneja otros conceptos positivos como el amor, la solidaridad, la lealtad, el compromiso, la inteligencia, y la valentía; negativos como el maltrato a la niñez,  la ambigüedad y dislocación en la sociedad contemporánea, la manipulación de masas, el miedo a la soledad, la cobardía, la impaciencia, la avaricia, la debilidad, el descuido, la infidelidad y la deslealtad.

La labor del director Paul Thomas Anderson es excelente, con puras escenas inteligentes, interesantes y trascendentes para el relato en conjunto. Algunas son muy divertidas y otros muy emotivas. Además, el ritmo que se modifica, en partes, de normal a ágil y el logro de un ligero misterio inmanente a los distintos nudos dramáticos, son bastante satisfactorios.

Los actores muestran alto nivel, muy parejo entre todos (tomando en cuenta de que hay nueve protagonistas, entre ellos Tom Cruise, William H. Macy, John C. Reilly, Phillip Seymour Hoffman y Julianne Moore). Aparte, la edición, el sonido y la música resultan sobresalientes y le aportan mucho al disfrute del film.

Película de planteamiento originalísimo en el género de comedia dramática, con una trama profunda, llena de metáforas, y con personajes con excelente construcción, gran desarrollo y eficaces matices.

Su único pequeño defecto es un desequilibrio narrativo y de peso argumental en el personaje de Julianne Moore, y un metraje que se extiende algunos minutos  de modo innecesario (el cual dura 180 minutos en total), sin dejar de reconocer que cada escena aporta ideas interesantes hasta el último segundo, si bien ya secundarias o complementarias.

En el guión se delínean múltiples elementos que exigen bastante inteligencia por parte del espectador y su necesaria paciencia para asimilar la peculiar propuesta; a cada uno le aportará diferentes conclusiones que pueden aplicar en su propia vida, para mejorarla.

Aunado a lo anterior, el realismo mágico moderado y el surrealismo nos regalan las  inolvidables escenas de la ventana y las coincidencias, la del discurso de Cruise sobre el tema de las mujeres y la de las ranas.

Obra altamente recomendable… simplemente imperdible.

Año: 1999

Género: Comedia dramática

-------------> Valoración numérica: 9.98

1) Dirección: 10 (33%)

2) Desarrollo del guión: 9.5 (33%)

3) Actuaciones (prom.): 9.25 (16.5%)

---- Protagonistas: 9.5

---- Secundarias: 9

4) Aspectos complementarios (prom.): 9.87 (16.5%)

---- Disfrute: 9.5

---- Argumento: 10

---- Originalidad del guión: 10

---- Diálogos: 10

5) Técnica: 3 décimas extras por edición, sonido y banda sonora original

Trailer



Muerte a la Medianoche, cena entre "amigos"

Trama (sin spoiler):

El relato se ubica en la posguerra, en el año de 1932 en Gran Bretaña. Varios aristócratas ingleses se reúnen para pasar un fin de semana en la casa de campo de Sir William McCordle. Todos llevan a sus sirvientes. Las relaciones se irán complicando al correr de las horas por las particulares situaciones en uno y otro lado de las clases sociales. Finalmente, algunos misterios saldrán a la luz.

Análisis y crítica:

Con el tema de la hipocresía, Gosford Park nos presenta el asunto narrativo de conseguir tolerar la convivencia temporal con personas que no nos caen bien o que son diferentes a nosotros; también el asunto argumental de descubrir las verdades más profundamente guardadas de los seres humanos, comunes a toda clase y condición socioeconómica. En tanto, el mensaje es que siempre debemos actuar correctamente para evitar riesgos en el futuro.

La dirección de Robert Altman es perfecta, brindándonos una película con ritmo rápido (aunque un poco lenta durante la primera media hora), escenas completamente efectivas y de una narrativa excelente. Kristin Scott Thomas y Maggie Smith protagonizan esta obra, donde todo el reparto está exquisito en su labor histriónica.

.-.-.-.-.-.-.

El realizador juega todo el tiempo con cualquiera de los elementos a su alcance; se luce en su aptitud narrativa y de dirección, con escenas impecables en su concepción y un ritmo que, una vez que adquiere su mayor velocidad, jamás decae. Llegara un momento donde estés inmenso por completo en la trama.

La historia presenta conceptos positivos como la lealtad, el respeto, la valentía, la responsabilidad y el amor; negativos como el abuso, el engaño, la debilidad, el miedo, la venganza, la discrimianción y la falta de respeto hacia la vida ajena.

Película de planteamiento cuasiperfecto, con estilo particular y diferente a las demás del género dramático (con pocos y brevísimos momentos cómicos). Lo mejor es el guión, sobresaliente en su originalidad y desarrollo. Todas las escenas que se configuran están justificadas, son eficaces y regalan nuevos elementos al espectador, que paulatinamente se adentra en la trama, volviéndose más y más interesante hacia el final del metraje. Los diálogos son complejos e interesantes, concretando perfectamente las ideas inmanentes del guión.

Los personajes se hayan adecuadamente construidos y la clave narrativa se basa en los personajes secundarios, particularmente en los sirvientes de las protagonistas, elemento bastante original. Así, la trama se divide en dos: el relato de los aristócratas y el de los sirvientes, siendo este último el que tiene un poco más de importancia, sin jamás perder el equilibrio de lo que se cuenta, ni tampoco el elevado nivel actoral. Casi toda la última hora el film nos regala un nuevo asunto narrativo principal de suspenso, el cual sirve para ahondar en la problemática de cada personaje y ayuda al desenlace integro de todos los nudos dramáticos y de misterio.

Coadyuba a lo anterior la destacada edición y fotografía, misma que es muy compleja aunque poco lucidora, en virtud de que casi todas las tomas son semicerradas por realizarse dentro de la mansión.

.

Dirección de arte y vestuario son muy realistas y de calidad. La canción original es buena y le da nuevos bríos a la historia, siendo un punto clave de la trama.

Película de corte clásico y realización soberbia. Una buena opción para presenciar una obra maestra.

.

Año: 2001
Género: Drama y suspenso

.

-------------> Valoración numérica: 10

Disfrute: 9.5
Actuación estelar: 9
Actuación de conjunto: 10
Dirección: 10
Argumento: 9
Originalidad del guión: 9.5
Desarrollo del guión: 10
Diálogos: 10
Técnica: 5 décimas extras (edición, fotografía, vestuario, artística y canción original)

.

Trailer

Dogville, abuso e hipocresía

Crítica:

Dogville, obra del reconocido director Lars Von Trier, nos presenta el tema del abuso entre seres humanos. El asunto consiste en encontrar la manera justa y exacta de agradecer por un favor recibido, a fin de evitar perjuicios para alguna de las partes y conseguir una convivencia positiva.

Este film es excelente en todos los aspectos: dirección, historia, guión e interpretación. Sobresale Nicole Kidman, quien encarna a Grace Margaret Mulligan, por su naturalidad y presencia, convenciéndonos completamente de la gravedad de todas las viscisitudes que le ocurren cuando llega a Dogville, pequeñisimo pueblo rural estadounidense, tras huir de unos gangsters. Ahí obtiene auxilio de todos sus pobladores, pero con el paso de los días se percata de que en las relaciones humanas siempre surgen conflictos e injusticias, derivadas de la misma naturaleza de la gente. Ella tendrá que decidir entre quedarse en el pueblo o volver a huir, esta vez de sus mismos "protectores".

Con el mensaje de que los hombres siempre se dejan llevar por los aspectos negativos de su personalidad, y que por ello lo mejor es afrontar los problemas y resolverlos directa e inmediatamente, la película nos generará profundas reflexiones sobre nuestra real naturaleza moral y las verdaderas intenciones que nos impulsan a ayudar a otros (lo cierto es que casi siempre nuestra conducta es hipócrita, ya que buscamos un beneficio propio).

El abuso, el engaño, la crueldad y la traición de los colonos, contrastan con el esfuerzo, la confianza, la compasibidad y el agradecimiento de Grace. Pero todo puede cambiar en aras de la justicia.

.

Otro aspecto destacable es que el director nos demuestra que una película no requiere de ningún artificio u adorno para ser buena y disfrutable. No existe escenografía y aún así todo queda claro. El excelso guión, una efectiva narración y la enorme calidad interpretativa, generan una gran fluidez de las escenas, que rayan en la excelencia; en particular, la última valdría todo el film, que dá un giro final de 180 grados a toda la trama y hace que nuestra conciencia sufra fortísima sacudida.

.

Al presenciar historias como ésta nos surge la necesidad de preguntarnos si la pena de muerte puede llegar a tener alguna base sólida, principalmente para casos en que los seres humanos ya no se comportan como tales y no tienen posibilidad alguna de remediarse, o cuando son tan peligrosos que sería un favor para el mundo que dejaran de existir.

.

También convendría reflexionar a profundidad: ¿hasta dónde termina la justicia y empieza la venganza?

.

De lo mejor del año 2003, obra que impacta por su crudeza al mostrar la verdad de nuestra esencia ética como individuos y como colectividad. Simplemente imperdible.

.

Género: Drama, suspenso

Valoración numérica: 10

• Disfrute: 10
• Actuación estelar: 10
• Actuación de conjunto: 9.5
• Dirección: 10
• Argumento: 10
• Originalidad del guión: 10
• Diálogos: 10
• Técnica: 1 décima extra (edición)

Ficha en IMDB

Trailer

Inception, realidad onírica

“Todo lo que es o existe,

existió primero en la

mente de una persona.”

He aquí uno de los siete principios del mentalismo, que afirma que el universo es una creación mental, punto de partida argumental del film de Christopher Nolan, quien ya nos había puesto en aprietos morales con El Caballero de la Noche, cuando nos colca contra la pared, diciéndonos que la bondad humana sólo es aparente. Ahora, en Inception, pone de cabeza nuestro concepto de realidad, afirmando que la misma no es sólo la que percibimos con la mente consciente, sino la que tiene su “origen” en el subconsciente y el inconsciente.

.

El planteamiento se enfoca en el misticismo, doctrina que habla de la generación de experiencias extrasensoriales, por intermedio de la oración, la revelación religiosa, la hipnosis, el sueño u otras técnicas.

Obras como Matrix y Eterno resplandor de una mente sin recuerdos, abordan ese mundo mental desde otro punto de vista; sin embargo, las tres películas confunden esa realidad ideal con la material, mostrándolas como una sola (varias faces de la misma realidad). Pero Inception es fastuosa, sorprendente e intrigante en lo que respecta al desarrollo de este argumento tan complicado y difícil de entender en su integridad. Se vale, al igual que las primeras, del periodo de sueño para adentrarnos convincentemente en la otra realidad, que es la importante, la trascendente, la creativa. Mas se diferencia en que aquí lo fundamental no es manipular la realidad o eliminar los recuerdos, sino plantar la semilla de la idea primigenia, origen de todo lo que percibimos físicamente con los cinco sentidos. En concordancia, manipula única y exclusivamente dicha realidad discreta, “alterna”, y con ello, paradójicamente, al mundo material. Pero no se modifica el presente, ni siquiera el pasado, sino el futuro; otro punto que separa a “El Origen” de las otras dos.

En mi opinión, el mejor ejemplo de que lo material existe primero en la mente de alguien, es precisamente una película. Es decir, la película tiene su origen primigenio en la idea original de su creador. Lo que al final vemos en un film terminado es energía lumínica del pasado, que ya no existe en el mundo material. Ontológicamente, pasa de la mente de los realizadores artísticos, técnicos y actores a la cinta de película; por último, transita de la cinta de grabación o del DVD a nuestra mente.

.

Su trama (sin spoiler) consiste en lo siguiente: En un futuro cercano el robo de secretos industriales durante el sueño del empresario en turno se ha vuelto común. Pero ahora, el mejor extractor de secretos del mundo, Don Cobb (Leonardo DiCaprio), tiene un objetivo diferente que parece imposible: implantar una idea de origen en su víctima. Paralelamente a sus encargos, Cobb tiene que sobrellevar el perenne "recuerdo" de su esposa e hijos, con quienes no tiene contacto físico desde hace mucho tiempo. De tener exito en su nueva misión (que espera sea la última), las decisiones venideras del empresario en torno a su conglomerado industrial cambiarían radicalmente, en beneficio del cliente que le encomendo la maniobra.

Mi particular interpretación es que al cambiar las potenciales decisiones de su víctima, con ello se transmutaría toda la realidad futura, no sólo de ellos, no sólo del mundo, sino en uno o varios universos paralelos.

Así las cosas, la trama de Inception implica, entre otros, tópicos como la relatividad espacio-temporal, el origen del universo, la naturaleza de éste, la existencia de universos paralelos y otros temas de la física (clásica y moderna), la personalidad, la realidad psicológica humana y el inconsciente colectivo. Y no se si tenga mucho que ver, pero algunas filosofías orientales consideran que nuestra universo existe en virtud de un sueño de Dios.

.

El tema del film es el engaño, mientras que el asunto argumental consiste en determinar qué es lo real. El asunto narrativo es cumplir con el objetivo profesional planteado y sobrellevar el recuerdo de un gran amor perdido.

.

Existen dos mensajes. El primero señala que lo que cada persona considera como verdadero, sólo es una parte de la realidad total; es decir, la verdad es relativa y convive con muchas otras verdades (una para cada persona, cuando menos). El segundo apunta que una idea, objeto abstracto por naturaleza, es fundamental e indispensable para crear, modificar o destruir la materia, que es concreta por naturaleza; por ende tenemos que controlar nuestros pensamientos para evitar consecuencias funestas.

Por su parte, la dirección y el guión de Nolan rayan en la perfección, brindándonos un film de ritmo vertiginoso, de trama absorvente por completo, entretenido, que inspira a la reflexión filosófica y que es impresionante… simplemente impresionante. Una obra llena de suspenso, de trama rica e inteligente y con multiples escenas de acción que están muy logradas y justificadas en la historia. Es importante aclarar que la acción está a cargo de un director de stunners, por lo que no debe achacársele virtudes o defectos de ella a Nolan.

Qué decir de las interpretaciones: muy buenas todas. Mención aparte para DiCaprio y Cotillard; cautivan, emocionan y convencen con el desarrollo de sus personajes, demostrando que se encuentran entre los diez mejores actores de la actualidad. Junto a una excelente y natural Ellen Page, tienen los meritos suficientes para una nominación al Premio Oscar.

Page encarna a una arquitecta de sueños, que imagina los escenarios en los que se moverán; DiCaprio es el líder. El resto del equipo lo conforma un químico para provocar sueños dentro de los sueños; un impostor que toma la forma de la persona que decide; y el empresario que los contrató (personificado por Ken Watanabe). Trabajan juntos dentro de un sueño compartido.

Como película, la piedra angular viene a ser la generación de la realidad onírica gracias a los efectos visuales, que esta vez son perfectamente usados, funcionales y sorprendentes; no pecan de excesivos, al contrario, son menos de los que se pueden esperar en un film de este corte, en virtud de que también se emplean técnicas clásicas de edición y fotografía (simplemente geniales). Complemento de ello son los magníficos escenarios, el sonido y el excelso acento emocional que otorga la banda sonora de Hans Zimmer. Así, el mundo mental impresiona por su grandiosidad a los espectadores.

La edición representa una proesa técnica. Es una de los mejores y admirables de todos los tiempos, muy lograda, compleja y efectiva.

[spoiler]

Ahondando un poco en el guión, parte específicamente del tema del espionaje industrial, en este caso, del que puede presentarse en un futuro cercano. Extraer de la mente las verdades mejor guardadas de los ricos y poderosos, en el momento de su mayor vulnerabilidad, en el momento del sueño. Ello no es tan difícil para un experimentado detective como lo es Cobb (interpretado por DiCaprio), a pesar de que expertos en protección de secretos durante el sueño complican su labor; pero ahora le encargan algo que parece imposible: implantar una idea. Tal misión tiene por objeto un beneficio económico exacerbado para la compañía que lo contrata, en perjuicio de la de su víctima (un junior, heredero de un imperio conformado por muchas empresas).

En el camino Cobb nos muestra detalles de la naturaleza de los sueños y de su propia realidad, que mucho tiene que ver con su pasado y con la pérdida de su esposa. Ella vive en su mente, es real. Gracias a un sueño compartido crearon juntos su realidad onírica y vivieron en ella por un tiempo equivalente a 50 años, que significaron unos pocos meses en la realidad material. Allá, Cobb le implantó a su esposa una idea de origen, hecho que sigue sin perdonarse por las consecuencias que trajo una vez que salieron del sueño para volver a su juventud en el “mundo real”, pero que le hizo saber que la misión que le encargaron no era imposible.

El motivo del protagonista es volver a una situación que le genera felicidad verdadera, junto a los hijos que abandonó por motivo de su trabajo y de ser un fugitivo de la ley, ya que el pago por esta última misión es borrar todos sus antecedentes criminales gracias al poder del magnate que lo contrató.

[fin del spoiler]

Inception, film excelso e imperdible, nos presenta un final ambiguo e impactante, con un tótem que se asemeja a un trompo de juguete que no deja de girar al momento del corte final, sembrándonos una duda… ¿la película narra en parte un aspecto material de la realidad o todo trata de realidades oníricas?

_______

Género: Ciencia ficción, acción, drama, suspenso, misterio.

_______

Valoración numérica: 10

• Disfrute: 10
• Actuación estelar: 9
• Actuación de conjunto: 8
• Dirección: 10
• Argumento: 10
• Desarrollo del guión: 9
• Originalidad del guión: 10
• Diálogos: 9
• Técnica: 7 décimas extras (música, sónido, edición de sonido, fotografía, dirección de arte, efectos visuales y edición)

Promedio: 9.37 + 0.7 = Calificación final 10

.

Interpretación del final [spoiler]

-
¿Cobb salió del limbo?

Elementos contradictorios nos dicen que sí o que no.

Sí, porque Saito, a quien fue a rescatar Cobb, despierta en el avión sorprendido. Toma la pistola para despertar, pero se da cuenta que volvió a la realidad y a la juventud. Entonces hace la llamada que otorga a Cobb su libertad absoluta. Se salvan mutuamente.

No, porque la película empezó con la escena del viejo Saito conversando con Cobb, quien intenta convencerlo de despertar para volver juntos al mundo material. Si la misión termina con la misma escena, es posible que todo sea un sueño, una especie de bucle cuántico que se repite infinitamente en la mente de Cobb.

Sí, porque la actitud del guardia del aeropuerto al verificar el pasaporte de Cobb, indica que había algún dato extra en la computadora, o que simplemente se estaban actualizando sus antecedentes criminales, luego de borrarlos.

No, porque sus hijos siguen teniendo la misma edad y están vestidos como los recordaba Cobb la última vez que los vió, selañando que todo es un sueño del propio Cobb.

Sí, porque el tótem, en la escena final, se trastabillea, lo que implica que puede caer y que Cobb ya está en el mundo material.

No, ya que el que esté a punto de caer puede explicarse porque hayan movido el cuerpo de Cobb durante su sueño (lo que concuerda con la falta de gravedad en la escena del hotel, provocada por la "lenta" caída de la caída del sueño en segundo grado). Además, a fin de cuentas, el tótem nunca cae.

Mi interpretación personal es que Cobb no salío del imbo, pero desde que estaba con su esposa. En otras palabras, el fallecimiento de su esposa, la misión, los sueños dentro de los sueños y el encuentros con sus hijos (que siguen iguales desde que los dejó) sólo es un sueño de Cobb, iniciado cuando dejo de compartirlo con su esposa.

Ella si murió, pero no como dice Cobb; él siguió en el limbo sin su esposa, creó un sueño en el que los dos salían de los 50 años en el limbo y su esposa se suicidaba afuera; también la idea de que escapó de la justicia y que seguía trabajando en misiones, está última para volver con sus hijos.

Empero, el sueño que sea y de quien sea, genera universos paralelos al nuestro; ellos existen no sólo virtualmente, sino en lo material, así sea instantaneamente, en un plano diverso del que todos conocemos.

Apoyo esta interpretación en la simplesa del argumento de que con una sola llamada se arreglen los problemas judiciales de Cobb (apoco la policía gringa se chupa el dedo). Aparte, si Saito trabajaba con él desde antes, pudo pedirle el favor para regresar con sus hijos sin tanta complicación. Con otra: ¿no era más fácil sacar del país a sus hijos? [fin del spoiler]

.

Enlaces recomendados:

• Primeras críticas
• Ficha en IMDB

.

Nociones argumentales

Sueño

El vocablo sueño (del latín somnus, raíz original que se conserva en los cultismos somnífero, somnoliento y sonámbulo) designa tanto el acto de dormir como el deseo de hacerlo (tener sueño). Para el acto de soñar existe la palabra específica ensueño, aunque suele utilizarse también la genérica (tener un sueño = soñar). El adjetivo correspondiente a ensueño-sueño es onírico (del griego ónar, "ensueño"). Por analogía con el ensueño -que cumple a menudo fantasías del durmiente- se llama también sueño a cualquier anhelo o ilusión que moviliza a una persona. Metafóricamente, se afirma que una parte del cuerpo se le ha dormido a uno, cuando se pierde o reduce pasajeramente la sensibilidad en la misma (parestesia).

El sueño, en cuanto acto de dormir, es un estado de reposo uniforme de un organismo. En contraposición con el estado de vigilia -cuando el ser está despierto-, el sueño se caracteriza por los bajos niveles de actividad fisiológica (presión sanguínea, respiración, latidos del corazón) y por una respuesta menor ante estímulos externos.

Características de los sueños

Soñar es un proceso mental involuntario en el que se produce una reelaboración de informaciones almacenadas en la memoria, generalmente relacionadas con experiencias vividas por el soñante los días o meses anteriores . El soñar nos sumerge en una realidad virtual formada por imágenes, sonidos, pensamientos y/o sensaciones. Los recuerdos que se mantienen al despertar pueden ser simples (una imagen, un sonido, una idea, etc.) o muy elaborados. Los sueños más elaborados contienen escenas, personajes, escenarios y objetos. Se ha comprobado que puede haber sueños en cualquiera de las fases del dormir humano. Sin embargo, se recuerdan mejor los sueños y estos son más elaborados en la llamada fase MOR (Movimiento ocular rápido; en inglés, REM: Rapid Eye Movement), que tiene lugar en el último tramo del ciclo del sueño.

Durante el siglo XX se avanzó muchísimo en el estudio científico de los sueños, ya que la tecnología facilitó en gran medida el acercamiento a lo que podría denominarse "energía del sueño". Sistemas avanzados de escáner han detectado que en numerosas ocasiones los sueños son bucles de actividad cerebral que se repiten noche tras noche. Se sabe que cada sujeto tiene una forma única e irrepetible de soñar, pues la actividad cerebral representada por ondas electromagnéticas en las pantallas de esos escaners presenta gráficas muy similares en cada paciente, y distintas entre dos de ellos.

Interpretación de los sueños

En muchas culturas se atribuye un valor profético al sueño, concebido como un mensaje cifrado de origen divino que es necesario desentrañar. Esta creencia se encuentra, por ejemplo, en la Biblia (donde José interpreta los sueños del Faraón: Génesis 41:1-36). En Grecia la oniromancia fue una actividad habitual: aún hoy se conserva un manual de interpretación de sueños, el de Artemidoro, del siglo II d. C. Sin embargo, uno de los filósofos de la Grecia antigua, Heráclito (h.540-h. 480 a.C), sostuvo hacia el 480 a. C. que los sueños no tienen significado alguno fuera de los pensamientos de la persona que los evoca.[1] En este sentido, Heráclito se anticipó por muchos años al pensamiento científico que intenta explicar en qué consiste el proceso del sueño en los organismos humanos y animales. Sigmund Freud retoma la cuestión desde una perspectiva racionalista con su La interpretación de los sueños (1900). Esta obra se convirtió en uno de los libros más influyentes del siglo XX. Al principio tropezó con una enconada resistencia, pues el psicoanálisis representaba un enorme reto para la tradición occidental. Los trabajos de Freud llamaban la atención sobre las zonas marginales del ser humano: la irracionalidad y el sexo. Freud muestra que el inconsciente (y no la conciencia) es la parte de nuestra psique que ordena todo nuestro pensar y sentir. Según sus palabras: "El yo no es el señor de su propia casa". El análisis de los sueños es para él la via regia de acceso al inconsciente. Los psicoanalistas posteriores, ortodoxos o no, persisten en este posicionamiento.

A principios del siglo XX, el surrealismo preconiza también la observación de los sueños. Las revistas del movimiento ponen de moda la anotación de las fantasías nocturnas. En su obra Los vasos comunicantes (1932), André Breton expone su visión del fenómeno y, al mismo tiempo que reconoce la aportación de Freud, polemiza con él por encontrarla insuficiente.contenido latente es el significado verdadero del sueño, el psicoanalista se esfuerza por interpretar el contenido manifiesto del sueño que el paciente le relata, para revelar el contenido latente, su significado.Carl Gustav Jung, discípulo heterodoxo de Freud, sostenía que los sueños eran un órgano de información y de control.[2] Los símbolos oníricos son, según este autor, transmisores de mensajes instintivos a las partes racionales de la mente del ser humano, y resulta necesario interpretarlos para comprender el lenguaje de los instintos.[3] Jung no creía, como sí lo hacía Freud, que los sueños fueran un ropaje que oculta otra cosa. Los sueños eran para Jung información y comunicación de ideas expresadas dentro de los límites de un medio. Tras estudiar unos ochenta mil sueños, llegó a la conclusión de que éstos son relativos a la vida del observador. Este organiza sus imágenes oníricas en un centro llamado sí mismo, el cual tiene la función de ordenar y legislar toda la vida psíquica, ora consciente ora inconsciente, a través de numerosos sueños que tienen lugar en la vida de la persona. Jung interpretaba, pues, el sueño como único y relativo al soñador. Para comprenderlo, debía examinarse el cuadro onírico como meollo del estudio y el análisis[cita requerida].contenido manifiesto de los sueños es la historia o sucesos tal como el soñante los vive, es un material elaborado a partir de las experiencias cotidianas y los deseos reprimidos mediante los distintos procesos de elaboración onírica. El contenido manifiesto no se encuentra en el nivel del significado, sino del símbolo.

Para el psicoanálisis es importante distinguir en los sueños el contenido manifiesto y el contenido latente.

Los sueños en la mitología y el arte

Los sueños suponen para el ser humano un pasaje a mundos no relacionados directamente con la realidad. El primer indicio de la curiosidad humana por el sueño se remonta a la Grecia clásica, en cuya mitología aparece Hipnos como dios del sueño, hermano gemelo de la muerte no violenta (Tánatos) y hermano de las muertes violentas (Keres) y las diosas del destino (Moiras), entre otros. Se le consideraba hijo de la noche (Nyx), nacida a su vez del Caos. El sueño aparece, pues, vinculado a la muerte y la noche. Nereidas, (Pasítea), llamados los oniros. Éstos encarnaban cada uno de los posibles sueños, siendo liderados por Morfeo, Fobetor y Fantaso. Morfeo se aparecía solo en sueños de personalidades con forma humana, a diferencia de sus hermanos, que representaban animales, plantas o seres inanimados.

Más adelante, en diferentes escritos sobre la mitología griega, aparecen los hijos de Hipnos con una de las

Zeus. Morfeo presenta una temática muy atractiva para el arte: ha sido esculpido por Jean-Antoine Houdon y pintado por John William Waterhouse y Nicolas Poussin. Además, es protagonista de canciones populares, como Mister Sandman de las Chordettes, basada en su leyenda, u obras escritas como las novelas y cómics creadas por el escritor Neil Gaiman de las cuales destaca The Sandman.

Más tarde Morfeo ha pasado a sustituir a su padre, aunque según algunos autores murió asesinado por

.

Psiquismo, mentalismo y misticismo

Las diferencias entre estos tres conceptos están determinadas por el nivel de conciencia del "actor dramático", en lo concerniente al uso de sus facultades, y en su relación entre lo consciente y lo inconsciente. El psíquico considera que tiene poderes como la clarividencia, la clariaudiencia o la adivinación. El mentalista es inteligentemente consciente de sus habilidades, es una personalidad guiada por su mente y considera que los poderes del psíquico son fraudulentos. El místico cree en el reino de Dios, con su propia vida y fenómenos, y considera que puede iluminar su mente mediante la meditación y desarrollar poderes como la intuición o la telepatía. Tales diferencias surgen el establecer relaciones entre el cerebro, la mente y la conciencia. Roger Penrose concibe una relación entre la unicidad de consciencia y el paralelismo cuántico, fundamenta la consciencia en el principio antrópico que dice: El mundo es necesariamente como es porque hay seres humanos que se preguntan por qué es así. Fritjof Capra desarrolla esos paralelismos entre el misticismo y la física atómica. En el misticismo oriental, la mente, como entretejido de objetos y sucesos, siempre incluye al observador humano y a su consciencia.

.

La teoría de la mente de Roger Penrose

Lo que ha vuelto famoso a Penrose, además de criticado, es su teoría sobre la mente. El punto de vista de Penrose es que debe haber algo de naturaleza no computable en las leyes físicas que describen la actividad mental. Este argumento tiene como base el teorema de la incompletitud de Gödel, que habla de la imposibilidad de una demostración formal de una cierta proposición matemática, aunque para el entendimiento humano ésta sea de hecho verdadera. También en las ideas de Stuart Hameroff. Tanto Penrose como Hameroff postulan que la mente y el cerebro son dos entidades separables. Hameroff, médico anestesista, lo hace a través de sus estudios sobre los microtúbulos y el citoesqueleto celular, especialmente en las neuronas, mientras que Penrose lo hace desde el teorema de la incompletitud.

El modelo que defiende Penrose, junto con Hameroff, trata de explicar sucesos difíciles de entender a través de las neurociencias convencionales, y para ello se apoya en aspectos revisados de la teoría cuántica (por ejemplo, el concepto de coherencia), así como la existencia de un fenómeno físico, inédito hasta ahora, que parece darse en el interior de las neuronas cuando la función de onda cuántica se colapsa por sí misma en una reducción objetiva orquestada.

Sus consideraciones a favor de los orgánulos celulares mencionados se apoyan en varias sugerencias:

1. Estas entidades existen en todo tipo de células, con lo que habría una explicación para los comportamientos complejos de seres simples sin sistema nervioso neuronal, como el paramecio.

2. Debido a que cada neurona contiene una cantidad enorme de microtúbulos, el poder de computación del cerebro se incrementaría en un factor de 10 a la potencia de 13.

3. Dentro del microtúbulo podría existir un estado especialmente ordenado del agua, llamado agua "vicinal", que podría ayudar a mantener el estado de coherencia cuántica buscado.

4. La acción de los anestésicos generales podría interferir en la actividad microtubular, hipótesis apoyada por el hecho de que estos anestésicos también actúan sobre seres simples. Ejemplo: amebas o paramecios.

Penrose sugiere que ninguna máquina de computación podrá ser inteligente como un ser humano, ya que los sistemas formales algorítmicos (o sea, los sistemas de instrucciones secuenciadas sobre los cuales están construidas las computadoras) nunca les otorgarán la capacidad de comprender y encontrar verdades que los seres humanos poseen.

Trailer