The Artist, el reto del cambio en el cine

Trama (sin spoiler):

George  Valentín  (Jean Dujardin) es una estrella del cine mudo de Hollywood en los años veinte. Ante la llegada de las técnicas para sumar el disurso hablado a los fotogramas, George sufre una crisis laboral y personal. Parale- lamente, Peppy Miller (Bérénice Bejo), quien inició su carrera como extra con George, empieza a brillar en el cine sonoro.

Análisis y crítica:

Con el tema del fracaso, The Artist nos presenta el asunto narrativo de filmar películas con sonido, y las consecuencias que ello produce en la vida de un actor y de una actriz; también, el asunto argumental de superar  nuestros obstáculos, con base en el talento personal. En tanto, el mensaje es que toda persona tiene la fuerza para vencer su orgullo, adaptarse a los cambios y mejorarse a sí mismo.

La historia maneja otros conceptos positivos como la admiración, la solidaridad, la lealtad, la perseverancia y la valentía; negativos como el coraje, el miedo, la impaciencia, el descuido, la baja autoestima y la traición.

Comedia de 100 minutos con planteamiento simple y algo recurrente en su género; presenta personajes de poco desarrollo y matiz. La trama implica el sistema de estudios de Hollywood, cuando existía un oligopolio en la producción fílmica. Una estrella decáe y otra viaja en  pleno ascenso; sus historias cruzadas en circunstancias diversas, pero convergentes.

Se plantea una pequeña critica al valor de los diálogos y el sonido del cine actual. Prueba de ello son las tres escenas en las que George señala con firmeza: “no quiero hablar”. En contraposición, el valor de la actuación pura, facial y corporal se reivindica, a pesar del malogrado romance; más cómico que conmovedor, de pocas y breves escenas.

Un guion cumplidor se dedica a proponer escenas visualmente atractivas y con el merito de la sencillez, para proyectar una historia casi sin diálogos (en forma de algunos subtítulos), entretenida y entendible. Deja al viento partes fundamentales que hubiesen regalado más cuerpo y seriedad al relato; sin embargo, atrapa nuestra atención y nunca pierde la continuidad.

Por otro lado, lo positivo de The Artist es su excelente forma cinematográfica conjunta, más allá del fondo que nos pretende contar. Mientras la historia es predecible y no llega a impactar lo suficiente en las parcialidades de drama, la lograda comedia muda, su impactante música, fotografía en blanco y negro, dirección de producción y vestuario, nos llevan con gran estilo y gracia a esos años dorados del cine norteamericano.

El director galo Michel Hazanavicius genera una obra de ritmo ágil, atractiva en lo visual e interesante, con risas en cada escena cómica; ayudada con la magnifica banda sonora de Ludovic Bource, de gran belleza y elocuencia, que además acompaña y da vigor a la trama. Mención especialícima a Uggie, el perro mascota de George: se roba la cinta con una simpática y natural demostración de habilidades.

La labor de los actores estelares es fastuosa, y los de cuadro de alto nivel. Los franceses Dujardin y Bejo interpretan a dos estrellas del cine de los años veinte en Los Ángeles, con gran credibiliadad y creatividad. Actuación muy distinta a la de cualquier otra cinta, donde lo que importa es la gesticulación y el desempeño corporal.

Intervienen también los actores norteamericanos John Goodman, James Cromwell, Penelope Ann Mille, Missi Pyle, Beth Grant, Ed Lauter, Malcolm McDowell y Bitsie Tulloch.

Obra muy recomendable en general. Representa un bienlogrado y entretenido homenaje al cine original de Hollywood, a pesar de algunas fallas y la poca profundidad del libreto.

Año: 2011

Género: Comedia, romance

-------------> Valoración numérica: 9.31

1) Dirección: 10 (33%)

2) Desarrollo del guión: 8 (33%)

3) Actuaciones (prom.): 9.5 (16.5%)

---- Protagonistas: 10

---- Secundarias: 9

4) Aspectos complementarios (prom.): 8 (16.5%)

---- Disfrute: 10

---- Argumento: 7

---- Originalidad del guión: 7

---- Diálogos: --

5) Técnica: 2 décimas extras por fotografía y música; 2 décimas por montaje, vestuario, dirección artística y sonido

Trailer:

Medianoche en París, contradicciones existenciales

Trama (sin spoiler):

Gil e Inez, una pareja de turistas americanos, llegan a París para conocer la ciudad y reunirse con los padres de ella. Ahí, coinciden por casualidad con un amigo de Inez llamado Paul (Michael Sheen) y con su novia. Entonces, lo que en apariencia son unas vacaciones para convivir en pareja, se convierten en aventuras separadas.

Mientras Inez (Rachel McAdams) se divierte con Paul, Gil (Owen Wilson) sale todas las noches a caminar por la ciudad para inspirarse y terminar su novela; sin saber cómo, el escritor es trasportado a los años veinte, lo que le permite conocer al circulo privilegiado de artístas clásicos parisinos, personajes que admira profundamente: Ernest Hemingway, Gertrude Stein, Scott y Zelda Fitzgerar, Pablo Picasso, Cole Porter, Salvador Dalí y Luis Buñuel, entre otros. Además, Gil traba gran amistad con Adriana (Marion Cotillard), una francesa bella y elegante de esa misma época.

Análisis y crítica:

Con los temas de la nostalgia y de la insatisfacción, Midnight in Paris nos presenta el asunto narrativo de decidir sobre la publicación o no de una novela; también, el asunto argumental de encontrar a la pareja y a la situación existencial ideales. En tanto, el mensaje implica que todo tiempo pasado fue mejor.

La historia, de escasos 94 minutos, contiene ideas positivas como el amor, la amistad, la curiosidad, la admiración, la alegría, la esperanza, la plenitud y la genialidad creativa; negativas como la frustración, la deslealtad, el descuido, el temor, el arrepentimiento, la baja autoconfianza y el egoísmo.

Con un planteamiento sencillo y algo recurrente para comedias románticas, la película nos trasporta de manera contundente y mágica al París de la década de 1920, en su máxima belleza y esplendor. La “Ciudad Luz” es el corazón de la trama y de las nociones existenciales ya comunes, pero siempre interesantes y profundas, en Woody Allen.

Una pareja protagónica, a punto de casarse, llega a la ciudad más bella y glamorosa del mundo, despedida ideal de su solteria. Todo combia por pequeños detalles y relaciones del pasado, que les imponen el reto de definir el verdadero camino de su felicidad individual y de pareja y de consolidar una efectiva convivencia, la cual sólo es viable si armonizan sus distintas espectativas e intereses, si aprenden a convivir y apoyarse, más que a imponer su voluntad.

El realismo mágico, presente igualmente en la filmografía del director neoyorquino, se materializa para un gran disfrute visual, en un discurso cinematográfico muy prudente que jamás llega a excesos ni absurdos, aunque, personalmente, me quedé con ganas de reconocer más sitios parisinos.

El guion es brillante en cuanto a personajes, desarrollo argumental y diálogos; los últimos se distinguen por su agudeza, elocuencia e inteligencia. Sin embargo, queda a deber respecto a la evolución y resolución del asunto narrativo y de las subtramas románticas, que finalizan abiertas y en contradicción al pesimismo inmanente de las premisas del mensaje.

La dirección de Allen es más que satisfactoria, con una cinta simpática, amable, divertida y hasta inocente. Eh de reconocer que esa sólo es una de las dos caras de la moneda, porque en el fondo se plantea que la vida del ser humano siempre va en picada y nunca alcanzará real plenitud. Por ello, el protagonista se ve obligado a escapar de su cruda realidad, alucinando momentos y ciudades ajenas, convitiéndolas en suyas, para construir su propio idilio vivencial.

Allen implementa todo lo necesario para recrear el sueño, al tiempo de homenajear a una ciudad emblemática de la humanidad; pero, a la par, su trabajo sirve para criticar, de forma mordaz y aguda, los disvalores y artificiosas espectativas de nuestros tiempos modernos, al apresurado ritmo de vida actual, a la anulación de la importancia subjetiva del hombre y al olvido de sus más profundos y sinceros deseos.

El reparto está genial en su labor, apoyado por la extraordinaria construcción y caracterización física de los personajes. Mas, quien se roba la cinta Marion Cotillard, como la fina amante de Picasso, constituyendo la piedra angular del relato y el objeto del deseo.

También participan los actores Kurt Fuller, Mimi Kennedy, Nina Arianda, Carla Bruni, Corey Stoll, Kathy Bates, Yves Heck, Tom Hiddleston, Alison Pill, Sonia Rolland, Adrien Brody, Macial Di Fonzo Bo y Léa Seydoux.

Una hurra para Owen Wilson por el único trabajo destacable de su filmografía. Un personaje cálido, soñador, triste al tiempo que esperanzado; el convencimiento y veracidad que logra es impresionante en una película tan fantasiosa y singular como esta.

Los aspectos técnicos son superiores y redondean el filme. Me agradaron altamente el vestuario, dirección artística, fotografía y sonido.

Una obra personalísima, de magnífica hechura e inolvidable. Un existencialismo agridulce, pesimista con rostro amable.

Año: 2011

Género: Comedia romántica, fantasía, drama

------------------> Valoración numérica: 9.38

1) Dirección: 9

2) Guion: 9.5

3) Interpretaciones: 8.5

Protagónica: 8

Secundarias: 9

4) Complementos: 9

Argumento: 9

Diálogos: 10

Originalidad: 8

Disfrute: 9

5) Técnica: 2 décimas extras por dirección artística y fotografía; 1 décima por sonido y vestuario.

Trailer:

Desconocido, redescubrir tu personalidad

Trama (sin spoiler):

El doctor Martin Harris (Liam Neeson) y su esposa (January Jones) llegan a Berlín, Alemania, por motivos de trabajo. Cuando Martin sufre un accidente automovi- lístico, su situación de vida vuelca 180 grados,  pues ahora nadie lo conoce   (ni    siquiera  su   propia  esposa). Además, otro dr. Martin Harris  ha tomado su identidad (Aidan Quinn), relacionándose con importantes persona- lidades de la política y de la ciencia. Entonces, el primero se verá forzado a encontrar pruebas que demuestren que es quien dice ser; su aliada principal es una muy bella taxista alemana (Diane Krugger).

Análisis y crítica:

Con el tema del desconcierto, Unknown nos presenta el asunto narrativo de comprobar la verdadera identidad propia; también, el asunto argumental consiste en determinar nuestra situación emocional respecto a nuestros seres queridos y nuestra situación e importancia existencial respecto a nuestros compañeros laborales y la sociedad en su conjunto. En tanto, el mensaje es que nunca debemos confiarnos de lo que conocemos, porque las aperiencias nos juegan bromas muy pesadas en ciertos momentos.

La historia de 115 minutos maneja otras ideas positivas como el amor, la solidaridad, la inteligencia, la destreza y la valentía; negativas como la mentira, la manipulación, el miedo, la ambición, la desconfianza, la traición y la poca valoración hacia la vida humana.

Película de planteamiento innovador y sólido, combinando en su estilo narrativo los géneros de thriller y misterio de forma equilibrada y eficaz, donde el climax se prepara desde que se empieza a insinuar el desenlace de la cinta, cuando los secretos se van revelando paulinamente a los espectadores.

Un hombre que de repente lo pierde todo: su esposa, su carrera, su exito, su felicidad, su identidad... Aquí no es él quien sufre de amnecia, sino los demás. Al menos es lo que puede percibirse en un primer momento. Luego la trama nos va envolviendo, insinuándonos otras soluciones psicológicas y metafísicas, pero sin claridad, con el objetivo de que sea nuestra imaginación y nuestro razonamiento el que nos vuelque en el relato.

Un guión inteligente y magnífico. Al principio nada tiene sentido, e incluso hay pequeñas incoherencias y detalles difíciles de creer, mas luego todo va tomando su cause, sin precipitaciones y dosificando los secretos, para lograr que cada segundo del metraje sea intenso e interesante.

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Los personajes tienes eficaz construcción, evolución y matices, respecto al tipo de película que se plantea (que no tiene que dar muchos detalles, precisamente). El desenlace de cada uno es brillante y justificado como en pocos filmes.

La dirección del cineasta catalán Jaume Collet-Serra (Gol 2, La huérfana) es vibrante, inteligente y con gran pulso, con un manejo del suspenso magistral, aderezado con exquisitas escenas de acción de número y duración suficiente, sin exagerar. El ritmo ágil de la cinta y su buen nivel de entretenimiento, deben de reconocérsele.

En cuanto al encausamiento actoral, el nivel es bueno sin lograr escenas dramáticas que pasen a la historia; influye a este hecho, un nivel regular de los diálogos que no representan el principal elemento de la historia.

Por su parte, Liam Neeson demuestra que se ha vuelto el modelo de héroe maduro del cine de acción, quien puede incursionar en temáticas de drama y suspenso de manera espléndida. Consigue no solamente encauzar materialmente los relatos, sino aportarles algo más.

Recibe la aportuna colaboración de un  reparto  inmejorable,  con grandes y prestigiados actores que cumplen con elevado nivel: Diane Krugger, January Jones, Aidan Quinn, Karl Markovics, Bruno Ganz, Sebastian Koch y Frank Languella.

En la parte técnica, merecen especial mención el montaje, sonido, coreografía de acción y música.

Un tremendo rompecabezas emotivo e intelectual, con imponentes giros argumentales perfectamente concebidos y ejecutados, resueltos de manera soberbia con la colocación necesaria y oportuna de cada pieza, que decanta en un final más que satisfactorio por su originalidad.

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Países: Alemania, Inglaterra, Japón, Francia, Canadá, USA

Año: 2011

Género: Suspenso, misterio, acción

Valoración numérica ------------------> 9.10

1) Dirección: 9 (33.3%)

2) Desarrollo del guión: 8.5 (33.3%)

3) Actuaciones: 8.25 (16.6%)

.... Protagonistas: 8.5

        - Neeson: 9

        - Krugger: 8

..... Secundarias: 8

4) Aspectos complementarios: 9 (16.6%)

.... Disfrute: 9.5

.... Argumento: 9.5

.... Originalidad del guión: 10

.... Diálogos: 7

5) Técnica: 4 décimas extras por montaje, sonido, coreografía de acción y banda sonora original

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Triste San Valentín, celebración del ausente amor

Trama (sin spoiler):

Esta cinta nos presenta de modo alternativo las épocas felices pasadas y las desdichas presentes. Un matrimonio de ocho años vive una etapa difícil en su relación. Ambos han perdido el entusiasmo y la felicidad que sentían cuando se conocieron y ahora las peleas constantes, los celos, las exigencias mutuas y su diversidad de objetivos personales y laborales los empujan a reflexionar si es posible un futuro como familia. Su pequeña hija es su principal motor para reencontrarse como pareja.

Análisis y crítica:
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Con el tema de la separación, Blue Valentine nos presenta el asunto narrativo de replantearse la viabilidad de seguir juntos para dos personas que conforman una pareja; además, el asunto argumental de definir nuestra verdadera situación de felicidad. En tanto, el mensaje es que un matrimonio exitoso implica esfuerzo, sacrificio, comunicación y adaptación constante. En otras palabras, "Dios perdona pero el tiempo no".

La historia de 112 minutos presenta otras ideas negativas como la falta de comunicación, el egoísmo, el aburrimiento, el coraje, la flojera, la debilidad, el fracaso y el conformismo; positivas como el amor paternal, el compromiso, la alegría y la dedicación.

Película de planteamiento poco novedoso pero con gran estructuración, el cual deriva en una narrativa imaginativa y que deja claro el tema y el mensaje. Mientras Dean (Ryan Gosling) conserva la esperanza de hacer que su esposa reencuentre el amor, Cindy (Michele Williams) sencillamente ha dejado de quererlo y no tiene esperanza alguna.

La metáfora de escena en hotel es muy profunda, pues con ella se ejemplifica esta situacìón psicológica diversa en el hombre y la mujer; así, mientras el fantaséa con su esposa, ella no encuentra ningún gusto en realizar actividades eróticas y sexuales con él (y sólo quiere huir).

El guión es brillante en su sencillez. Los personajes pro-tagónicos, que llevan el peso del relato, cuentan con gran construcción, desarrollo, contrastes y resolución, con un final abierto que permite a los espectadores asimilar todas los conceptos presentes en la trama.

Los diálogos son imponentes, imaginativos e inteligentes, vinculando la problemática de cada protagonista, impulsando el  relato y clarificando las emociones trascendentes de cada escena.

La dirección del novel Derek Cianfrance resulta de elavada calidad, regalándonos una cinta de ritmo rápido, nítida en su transmisión emocional y con escenas memorables, como la secuencia de la primera cita de los protagonistas (y la gran intepretación de Gosling acompañado de la guitarra), la del hotel el Día de San Valentín o la de la pelea en el trabajo de Cindy.

El realizador encausa unas interpretaciones siempre medidas que no se olvidarán por su excelsa calidad. Gosling muestra gran experiencia, carisma y actitud firme, en el papel de un hombre desempleado, flojo, algo cínico y conforminsta, pero que ama profundamente a su esposa e hija. Por su parte, Williams ejecuta con gran fuerza, naturalidad y veracidad su papel de mujer profesionista exitosa (una doctora), que ya no quiere a su pareja y que se mantiene en su relación únicamente por pensar en su hija.

La edición auxilia mucho al entendimiento y buena transmisión emotiva del filme, porque combina a la perfección pasado y presente y genera el contraste necesario entre los momentos felices y tristes del vínculo entre los protagonistas.

En suma, una película altamente recomendable por su peculiar y buen guión, afectivo encauzamiento y actuaciones que se acercan a la perfección, aunado a que logra ser entretenida, emotiva e inspirar a la reflexión.

Año 2010

Género: Drama familiar

---------------- > Valoración numérica: 9.18

1) Dirección (33%): 9

2) Desarrollo del guión (33%): 9

3) Actuaciones (16.6%): 9.5

4) Aspectos complementarios (16.6%): 9

.... Disfrute: 9

.... Argumento: 8

.... Originalidad del guión: 9

.... Diálogos: 10

5) Técnica: 1 décima extra por edición

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El discurso del rey, el poder de la palabra

Trama (sin spoiler):

Bertie (Colin Firth) es duque, hijo del Rey de Inglaterra, Jorge V. Por su investidura, se ve en la necesidad de hablar al público vía radial, pero  sufre un fuerte problema de tartamudez.  Por ello, su esposa Isabel (Helena Boham Carter) busca a un excéntrico logopeda, Lionel Logue (Geoffrey Rush), para que ayude a  su  marido a  encontrar una cura.

Bertie es segundo en línea de sucesión al trono; cuando su hermano sube al  poder como Eduardo VIII, y luego abdica escandalosamente,  tiene que asumir su papel de rey como Jorge VI de Inglaterra. Es urgente que pueda pronunciar buenos discursos y Logue lo ayudará con terapias novedosas. En el proceso, su relación se estrechará profundamente, generando una amistad de época.

Un país al borde de la guerra requiere de un lider y de un gran "discurso del rey".

Análisis y crítica:

Con el tema de la autosuperación, The king´s speech nos presenta el asunto narrativo de lograr hablar de modo fluido para cumplir el papel de lider de una gran nación; también el asunto argumental de confiar en nosotros  mismos y en nuestras personas cercanas  para arreglar los problemas que nos aquejan. En tanto, el mensaje es que cualquier circunstancia que nos sea adversa tiene sulución si le ponemos el empeño suficiente.

La historia de 118 minutos maneja otros conceptos positivos como la conciencia, la inteligencia, la lealtad, la confianza, la solidaridad, el esfuerzo, la responsabilidad y la valentía; negativos como la envidia, la traición, la desesperación, el enojo, el menosprecio, el descuido y la negligencia.

El argumento es muy inteligente y novedoso, porque se habla de la realeza desde otro punto de vista. Se les muestra como personas normales, de carne y hueso, con virtudes y defectos. Se habla de un grave problema para un lider: no poder comunicarse efectivamente con sus colaboradores, con su familia, con su pueblo... y de la manera de solucionarlo, que no es ni fácil ni rápida.

En el guión se plantean muchos asuntos importantes, tales como la relación de Bertie con su esposa y sus dos hijas, su relación con sus padres y hermanos, sus conflictos infantiles y los temores ante su condición de tartamudo, sin caer en excesos narrativos ni perder de vista la circunstancia de cada uno de los sujetos implicados.
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La presencia del tema de la política y de la guerra, con la participación tangencial y mínima de Hitler y Churchill, le otorga al relato cierto valor histórico y peso narrativo, ubicando a la nación inglesa y a su nobleza en su circunstancia precisa.  La importancia política de la iglesia y su influencia en las decisiones monárquicas también queda de manifiesto en varias fracciones de la trama.

Los personajes presentan buena construcción, evolución y matices, y los destacados y convincentes diálogos  son efectivos para hacer avanzar las escenas.

Por su parte, la labor del director Tom Hooper es buena, logrando una película de ritmo ágil, entretenida y de momentos de espléndida emotividad. Encauza un humor inglés muy leve, extraño para nosotros, aunque satisfactorio. El manejo de los nudos dramáticos también es muy bueno, a pesar de que siempre se mantiene muy medido y sin llegar a un climax superior. Por otro lado, logra escenas perfectas, interesantes y con buena transmisión de sentimientos.

La presentación de los actores raya en la perfección, particularmente Firth y Rush, con unas interpretaciones creíbles, medidas, realistas y sinceras, entre las mejores en la carrera de cada uno.

Por último, el apartado técnico es de alta calidad. Fotografía, dirección artística y vestuario no decepcionan; además, la banda sonora de Alexandre Desplat es magnífica y vibrante, presente en todas las escenas acentúa efectivamente el impacto emocional.

Un  film  intenso  y  entretenido, con excelentes secuencias y sin falla alguna. Un buen retrato de la monarquía británica.

Año: 2010

Género: Drama histórico

-------------> Valoración numérica: 9.35 (100%)

1) Dirección: 9 (33%)

2) Desarrollo del guión: 9 (33%)

3) Actuaciones: 9.5 (16.6%)

---- Protagonista: 10 (Firth)

---- Secundarias: 9

4) Aspectos complementarios: 8.25 (16.6%)

---- Disfrute: 9

---- Argumento: 8

---- Originalidad del guión: 8

---- Diálogos: 8

5) Técnica: 4 décimas extras por fotografía, dirección artística, vestuario y banda sonora original.

Trailer

Remember Me: Una lección de vida

“Lo que hagas en la vida es insignificante, pero es importante que lo hagas, porque nadie más lo hará…”

Con una premisa simple, pero contundente, “Recuérdame” nos presenta un melodrama entrañable, una historia que, muy probablemente, podría suceder en cualquier hogar.

Argumento:

Tayler es un joven proveniente de un hogar separado. Su hermano Michael se suicidó un par de años atrás, por lo que Tayler culpa a su frío y negligente padre por el suceso; además de esto, su madre ha vuelto a casarse y su hermana pequeña – tal vez, la persona más importante para él – no se siente amada por su padre y es hostigada por sus compañeras de escuela.

Un día, Tayler se mete en problemas con un policía y es golpeado por él. Uno de sus amigos, le propone vengarse conquistando a Ally, la hija del policía, para después botarla.

Ally tiene su propio drama personal: cuando era niña vio a su madre ser asesinada frente a sus ojos y, desde entonces, ha tenido ciertos recelos para confiar y relacionarse con las demás personas…hasta que conoce a Tayler y le abre su corazón.

Comentarios:

Este es un filme que no tiene nada que pedirle a muchos otros que, sin superar en méritos, han estado nominados al Oscar, como “Juno” o la burla “The blind side”.

CineManiaco y yo sostuvimos un debate al respecto y, concluimos que, lo único que separa a una gran película, de una merecedora del Oscar, son los prejuicios que se tienen respecto a ella (sobre todo en cuanto al Director y actores principales) y, también la promoción que se le hace.

“Recuerdame” es una película intensa, profunda, con un gran giro argumental final y muy buenas actuaciones que, tal vez, de haber sido protagonizada por Di Caprio y dirigida por Scorsese tendría el reconocimiento que se merece. CineManiaco siempre me critica por dar tan buenas calificaciones, pero...¿qué culpa tengo yo?  ...Siempre me toca ver buenas películas xP

Calificación: 9.3

  |_Entretenimiento --> 9.2

  |_Calidad --> 9.4

Megamente: Crecimiento interior

"Megamente" es quizá una de las propuestas animadas más originales del año; a pesar de que la cinta es una extraña mezcla de varias historias ya de sobra conocidas, como "Superman" y "Los increíbles", por citar algunas.

El argumento, no es nada del otro mundo:

Tras la explosión de un planeta lejano a la Tierra, dos bebés extraterrestres con poderes especiales son enviados a nuestro planeta, uno de ellos es Megamente, quien por azares del destino termina vivendo  en una prisión; mientras que su archi-rival "Metroman" tiene una mejor suerte y es criado en la opulencia.

Megamente desconoce su destino; sin embargo, al creer que lo único que hace bien es "hacer las cosas mal", decide ser un villano.

Tras un inesperado suceso su vida cambia, poniendo en tela de juicio todas sus creencias; a la vez que una bella reportera también lo impulsa a revalorar su vida.

Comentarios:

La animación es excelente, al igual que el sonido; mientras que el guión está bien desarrollado en su simpleza, dando agradables sorpresas y dejando un buen sabor de boca.

Puedo asegurar que, a pesar de los clichés de sobra usados en esta película, es una de las más entretenidas y con mejores giros argumentales que he visto en mucho tiempo.

Esta vez no puedo decir que la película sea recomendable para todas las edades, ya que, mientras los niños quizá la encuentren poco interesante y tal vez hasta aburrida, los adultos la disfrutarán enormemente.

Calificación: 9.1

Entretenimiento --> 9.4

Calidad --> 8.8

Tangled: en busca de la libertad

La historia de Rapunzel da un giro inesperado. Disney sabe como hacer franquicias y esta vez presiento que le ha dado al premio gordo...

"Tangled" o "Enredados" - como se ha llamado a esta cinta en tierras mexicanas - cuenta la historia de Rapunzel, una joven que ha pasado toda su vida recluída en una torre por su sobreprotectora madre; aunque desde el inicio de la película, se nos deja en claros los verdaderos motivos de su encierro:

Su madre no es su madre, si no una anciana que, años atrás, descubrió una flor mágica que podía darle juventud eterna. La reina, verdadera madre de Rapunzel, estaba al borde de la muerte, pero una infusión preparada con la flor mágica la salvo e hizo que la niña heredara los poderes de la flor.

Al ver que su preciado tesoro ahora se encontraba en el interior de la pequeña, la anciana decide raptarla y ocultarla por siempre para evitar que su fuente de juventud eterna se agote.

Sin embargo, el poder tiene un secreto: Rapunzel jamás debe cortar su mágica cabellera y; además, para activar el encanto, se debe cantar una peculiar canción.

Los años pasan y Rapunzel se vuelve una jovencita con ganas de conocer el mundo, y de cumplir su mayor sueño: ver de cerca las luces flotantes que aparecen siempre en el día de su cumpleaños.

Un día, Flynn Rider, un encantador ladrón, penetra en la torre de Rapunzel en busca de refugio de dos bandidos a los que traicionó; pero no se espera encontrarse con una aguerrida jovencita que sabe bien como defenderse (con la ayuda de un sartén ¬_¬)

Rapunzel captura al bandido y espera que su madre le conceda permiso para ir a a ver las luces flotantes, al ver que puede defenderse por sí misma.

La mujer, sin saber que Rapunzel ha capturado a un hombre en su armario, continúa negandose a que la chica salga de su cautiverio, algando un amor "sobreprotector"; sin embargo, la chica, decidida a cumplir su sueño, consigue que su "madre" salga por un par de días, dejándola libre el tiempo suficiente como para que obligue a Flynn a ser su guía y así pueda cumplir su mayor deseo.

Si cuento más, seguramente les arruinaré toda la historia; sin embargo, hay que ser sinceros y admitir que en sí, la película no tiene el argumento más elaborado del mundo...

Esta película es buena por los demás elementos que giran en torno a ella: la magnífica animación, el grandioso soundtrack (como es costumbre en producciones de Disney), el humor intrínseco de cada una de las escenas y el encanto que éste tipo de películas suelen transmitir a grandes y pequeños.

Estoy segura que los adultos saldrán tanto o más entusiasmados que los niños ~^-^~

Por último, hay que destacar el excelente manejo de personajes. Todos se salen de su esquema: Flynn es un bandolero/playboy realmente encantador, Rapunzel no es la típica princesa que espera ser rescatada, es una mujer que desea conocer el mundo y afrontarlo por sí misma; los bandidos de la taberna tienen sus propios sueños y son sumamente tiernos (aunque en una forma muy particular) y los animales (el caballo "Maximus" y el camaleón) tienen un papel protagónico en la cinta.

Tangled es, sin duda, una película obligada; les aseguro que no se arrepentirán de apreciar esta nueva producción de Disney que, sin llegar a ser tan entrañable como Toy Story 3, transmite un mensaje igual de positivo: confía en ti mismo y lucha por tu libertad.

Calificación: 9.3

Entretenimiento >> 9.1

Calidad >> 9.5