The Artist, el reto del cambio en el cine

Trama (sin spoiler):

George  Valentín  (Jean Dujardin) es una estrella del cine mudo de Hollywood en los años veinte. Ante la llegada de las técnicas para sumar el disurso hablado a los fotogramas, George sufre una crisis laboral y personal. Parale- lamente, Peppy Miller (Bérénice Bejo), quien inició su carrera como extra con George, empieza a brillar en el cine sonoro.

Análisis y crítica:

Con el tema del fracaso, The Artist nos presenta el asunto narrativo de filmar películas con sonido, y las consecuencias que ello produce en la vida de un actor y de una actriz; también, el asunto argumental de superar  nuestros obstáculos, con base en el talento personal. En tanto, el mensaje es que toda persona tiene la fuerza para vencer su orgullo, adaptarse a los cambios y mejorarse a sí mismo.

La historia maneja otros conceptos positivos como la admiración, la solidaridad, la lealtad, la perseverancia y la valentía; negativos como el coraje, el miedo, la impaciencia, el descuido, la baja autoestima y la traición.

Comedia de 100 minutos con planteamiento simple y algo recurrente en su género; presenta personajes de poco desarrollo y matiz. La trama implica el sistema de estudios de Hollywood, cuando existía un oligopolio en la producción fílmica. Una estrella decáe y otra viaja en  pleno ascenso; sus historias cruzadas en circunstancias diversas, pero convergentes.

Se plantea una pequeña critica al valor de los diálogos y el sonido del cine actual. Prueba de ello son las tres escenas en las que George señala con firmeza: “no quiero hablar”. En contraposición, el valor de la actuación pura, facial y corporal se reivindica, a pesar del malogrado romance; más cómico que conmovedor, de pocas y breves escenas.

Un guion cumplidor se dedica a proponer escenas visualmente atractivas y con el merito de la sencillez, para proyectar una historia casi sin diálogos (en forma de algunos subtítulos), entretenida y entendible. Deja al viento partes fundamentales que hubiesen regalado más cuerpo y seriedad al relato; sin embargo, atrapa nuestra atención y nunca pierde la continuidad.

Por otro lado, lo positivo de The Artist es su excelente forma cinematográfica conjunta, más allá del fondo que nos pretende contar. Mientras la historia es predecible y no llega a impactar lo suficiente en las parcialidades de drama, la lograda comedia muda, su impactante música, fotografía en blanco y negro, dirección de producción y vestuario, nos llevan con gran estilo y gracia a esos años dorados del cine norteamericano.

El director galo Michel Hazanavicius genera una obra de ritmo ágil, atractiva en lo visual e interesante, con risas en cada escena cómica; ayudada con la magnifica banda sonora de Ludovic Bource, de gran belleza y elocuencia, que además acompaña y da vigor a la trama. Mención especialícima a Uggie, el perro mascota de George: se roba la cinta con una simpática y natural demostración de habilidades.

La labor de los actores estelares es fastuosa, y los de cuadro de alto nivel. Los franceses Dujardin y Bejo interpretan a dos estrellas del cine de los años veinte en Los Ángeles, con gran credibiliadad y creatividad. Actuación muy distinta a la de cualquier otra cinta, donde lo que importa es la gesticulación y el desempeño corporal.

Intervienen también los actores norteamericanos John Goodman, James Cromwell, Penelope Ann Mille, Missi Pyle, Beth Grant, Ed Lauter, Malcolm McDowell y Bitsie Tulloch.

Obra muy recomendable en general. Representa un bienlogrado y entretenido homenaje al cine original de Hollywood, a pesar de algunas fallas y la poca profundidad del libreto.

Año: 2011

Género: Comedia, romance

-------------> Valoración numérica: 9.31

1) Dirección: 10 (33%)

2) Desarrollo del guión: 8 (33%)

3) Actuaciones (prom.): 9.5 (16.5%)

---- Protagonistas: 10

---- Secundarias: 9

4) Aspectos complementarios (prom.): 8 (16.5%)

---- Disfrute: 10

---- Argumento: 7

---- Originalidad del guión: 7

---- Diálogos: --

5) Técnica: 2 décimas extras por fotografía y música; 2 décimas por montaje, vestuario, dirección artística y sonido

Trailer:

Medianoche en París, contradicciones existenciales

Trama (sin spoiler):

Gil e Inez, una pareja de turistas americanos, llegan a París para conocer la ciudad y reunirse con los padres de ella. Ahí, coinciden por casualidad con un amigo de Inez llamado Paul (Michael Sheen) y con su novia. Entonces, lo que en apariencia son unas vacaciones para convivir en pareja, se convierten en aventuras separadas.

Mientras Inez (Rachel McAdams) se divierte con Paul, Gil (Owen Wilson) sale todas las noches a caminar por la ciudad para inspirarse y terminar su novela; sin saber cómo, el escritor es trasportado a los años veinte, lo que le permite conocer al circulo privilegiado de artístas clásicos parisinos, personajes que admira profundamente: Ernest Hemingway, Gertrude Stein, Scott y Zelda Fitzgerar, Pablo Picasso, Cole Porter, Salvador Dalí y Luis Buñuel, entre otros. Además, Gil traba gran amistad con Adriana (Marion Cotillard), una francesa bella y elegante de esa misma época.

Análisis y crítica:

Con los temas de la nostalgia y de la insatisfacción, Midnight in Paris nos presenta el asunto narrativo de decidir sobre la publicación o no de una novela; también, el asunto argumental de encontrar a la pareja y a la situación existencial ideales. En tanto, el mensaje implica que todo tiempo pasado fue mejor.

La historia, de escasos 94 minutos, contiene ideas positivas como el amor, la amistad, la curiosidad, la admiración, la alegría, la esperanza, la plenitud y la genialidad creativa; negativas como la frustración, la deslealtad, el descuido, el temor, el arrepentimiento, la baja autoconfianza y el egoísmo.

Con un planteamiento sencillo y algo recurrente para comedias románticas, la película nos trasporta de manera contundente y mágica al París de la década de 1920, en su máxima belleza y esplendor. La “Ciudad Luz” es el corazón de la trama y de las nociones existenciales ya comunes, pero siempre interesantes y profundas, en Woody Allen.

Una pareja protagónica, a punto de casarse, llega a la ciudad más bella y glamorosa del mundo, despedida ideal de su solteria. Todo combia por pequeños detalles y relaciones del pasado, que les imponen el reto de definir el verdadero camino de su felicidad individual y de pareja y de consolidar una efectiva convivencia, la cual sólo es viable si armonizan sus distintas espectativas e intereses, si aprenden a convivir y apoyarse, más que a imponer su voluntad.

El realismo mágico, presente igualmente en la filmografía del director neoyorquino, se materializa para un gran disfrute visual, en un discurso cinematográfico muy prudente que jamás llega a excesos ni absurdos, aunque, personalmente, me quedé con ganas de reconocer más sitios parisinos.

El guion es brillante en cuanto a personajes, desarrollo argumental y diálogos; los últimos se distinguen por su agudeza, elocuencia e inteligencia. Sin embargo, queda a deber respecto a la evolución y resolución del asunto narrativo y de las subtramas románticas, que finalizan abiertas y en contradicción al pesimismo inmanente de las premisas del mensaje.

La dirección de Allen es más que satisfactoria, con una cinta simpática, amable, divertida y hasta inocente. Eh de reconocer que esa sólo es una de las dos caras de la moneda, porque en el fondo se plantea que la vida del ser humano siempre va en picada y nunca alcanzará real plenitud. Por ello, el protagonista se ve obligado a escapar de su cruda realidad, alucinando momentos y ciudades ajenas, convitiéndolas en suyas, para construir su propio idilio vivencial.

Allen implementa todo lo necesario para recrear el sueño, al tiempo de homenajear a una ciudad emblemática de la humanidad; pero, a la par, su trabajo sirve para criticar, de forma mordaz y aguda, los disvalores y artificiosas espectativas de nuestros tiempos modernos, al apresurado ritmo de vida actual, a la anulación de la importancia subjetiva del hombre y al olvido de sus más profundos y sinceros deseos.

El reparto está genial en su labor, apoyado por la extraordinaria construcción y caracterización física de los personajes. Mas, quien se roba la cinta Marion Cotillard, como la fina amante de Picasso, constituyendo la piedra angular del relato y el objeto del deseo.

También participan los actores Kurt Fuller, Mimi Kennedy, Nina Arianda, Carla Bruni, Corey Stoll, Kathy Bates, Yves Heck, Tom Hiddleston, Alison Pill, Sonia Rolland, Adrien Brody, Macial Di Fonzo Bo y Léa Seydoux.

Una hurra para Owen Wilson por el único trabajo destacable de su filmografía. Un personaje cálido, soñador, triste al tiempo que esperanzado; el convencimiento y veracidad que logra es impresionante en una película tan fantasiosa y singular como esta.

Los aspectos técnicos son superiores y redondean el filme. Me agradaron altamente el vestuario, dirección artística, fotografía y sonido.

Una obra personalísima, de magnífica hechura e inolvidable. Un existencialismo agridulce, pesimista con rostro amable.

Año: 2011

Género: Comedia romántica, fantasía, drama

------------------> Valoración numérica: 9.38

1) Dirección: 9

2) Guion: 9.5

3) Interpretaciones: 8.5

Protagónica: 8

Secundarias: 9

4) Complementos: 9

Argumento: 9

Diálogos: 10

Originalidad: 8

Disfrute: 9

5) Técnica: 2 décimas extras por dirección artística y fotografía; 1 décima por sonido y vestuario.

Trailer:

Cars 2, espionaje a alta velocidad

Trama (sin spoiler):

Rayo McQueen y la grúa Mate, su mejor amigo, se reúnen en Radiador Springs tras un largo tiempo para disfrutar de unas merecidas vacaciones. Ahí, McQueen recibe el desafío de un auto Formula 1 italiano, Francesco Bernoulli, triunfador de mil batallas, para entrar al Campeonato Mundial (compuesto de tres carreras) y decidir quién es el carro más veloz en cualquier categoría. En la competencia se promociona un nuevo combustible ecológico. Por otro lado, Finn McMisile, agente secreto internacional, intenta esclarecer una conspiración que pretende evitar que dicho combustible sustituya a la gasolina por entero. Las aventuras se desarrollan en Japón, Italia, Francia e Inglaterra.

Análisis y crítica:

Con el tema de la amistad, Cars 2 presenta los asuntos narrativos de descubrir una conspiración internacional y de obtener el triunfo en el campeonato automovilístico de velocidad; éstos dentro del asunto argumental de superarnos a nosotros mismos sin dañar a nuestros seres queridos. En tanto, el mensaje principal es que todos somos valiosos y podemos desarrollar las habilidades innatas.

La historia de 112 minutos incluye ideas positivas como la amistad, la solidaridad, la tolerancia, la inteligencia, la valentía, la autoestima, la autosuperación y la conservación del medio ambiente; negativas como el engaño, la avaricia, el miedo, la impaciencia, los celos, la envidia, la venganza y la discriminación.

Película de planteamiento recurrente y al extremo obvio, que nos muestra dos narrativas independientes con algunos puntos de unión. Primero, las competencias que eran infaltables en una cinta sobre automóviles de competencia y de alto perfil; en segundo lugar, las peripecias de Mate habilitado erróneamente como espía, en pro de evitar que el mal se esparsa sobre todo el mundo. Los dos relatos sirven para darle ritmo y versatilidad al discurso cinematográfico.
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Los personajes y la animación son impecables -en momentos, sorprendentes-, provocando alto entretenimiento, enfocado más que nada a los niños y adolecentes tempranos. A diferencia de Cars, esta nueva versión incluye automóviles citadinos del milenio pasado, muy populares incluso en día de hoy, que intervienen sustancialmente en la trama.

El guión es aceptable, dotado de escenas rápidas y bien planteadas sólo para la excepcional factura técnica y el deslumbre visual, pero de desarrollo y desenlace simples.

Tiene diálogos alegres,  algunos de ellos inteligentes y con momentos de mucha risa, sin alcanzar profundidad ni llegar a conmover o hacernos reflexionar, como ya nos habían acustumbrado las productoras Disney y Pixar en otras obras.

La dirección de John Lasseter y Brad Lewis es efectiva, compajinando adecuadamente los dos relatos y evitando fallas descriptivas y técnicas, pero sin darle mayor realce a la humilde historia. Su mayor merito es alcanzar una animación sorprendente, gran sonido y música potente para acompañar las escenas (a cargo del experimentado Michael Giacchino).

En el reparto de voces intervienen Larry "The Cable" Guy (Mate), Owen Wilson (Rayo McQueen,) Michael Caine (Finn McMissile), Eddie Izzard (Sir Miles Axlerod), Bonnie Hunt (Sally), Emily Mortimer (Holley Shiftwell), Thomas Kretschmann (Profesor Z) y John Turturro (Francesco Bernoulli).

El doblaje al español latinoamericano no presenta fallas y dota de personalidad y fuerza a los personajes, de por sí peculiares, divertidos y bien construídos.

Cars 2 es una cinta muy divertida y de elevado nivel técnico, pero sin una historia profunda que trascienda más allá del primer visionado.
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Año: 2011
Género: Animación, acción, suspenso, comedia

-------------------> Valoración numérica: 6.79

1) Dirección (33%): 7

2) Desarrollo del guión (33%): 5

3) Implementación (16.6%): 9

----Animación: 10

----Doblaje y personajes: 8

4) Aspectos complementarios (16.6%): 6.25
----Disfrute: 9

----Argumento: 5

----Originalidad del guión: 4

----Diálogos: 7

5) Técnica: 1 décima extra por sonido; 15 centécimas por fotografía, música y edición de sonido

Trailer:

Río, en busca de la diversión

Trama (sin spoiler):
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Blu, un guacamayo azul  en peligro de extinción, originario de Brasil, por asares del destino llega a Minnesota, EE. UU, siendo un polluelo. Tras varios y felices años con su amiga humana  Linda, un biólogo carioca los encuentra y les pide viajar a su país para que Blu tenga descendencia con otra guacamaya de su especie, evitando su fatal desaparición. La decisión es difícil, pero su aventura en Brasil estará llena de magia, color, música, nuevos amigos  y uno que otro contratiempo.
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Análisis y crítica:
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Con el tema de la libertad, Río nos presenta el asunto narrativo de reencontrarse con los seres queridos, dentro del asunto argumental de definir nuestro destino. En tanto, el mensaje es que la mejor decisión es la que se toma uniéndo el corazón con la mente.
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La historia de 96 minutos muestra otras ideas positivas como la amistad, el cariño, la valentía  y  la responsabilidad; negativas como la ambición, el abuso, la traición, el miedo y la violencia.
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Película de planteamiento recurrente en el género de animación y aventura, en que el protagonista, un guacamayo que increíblemente nunca aprendió a volar,  pasa por una serie de peripecias que se ven generando de forma inverosímil y  con simple resolución. 

Mas todo ocurre en un marco espléndido, lleno de color y música típica, mostrando una ciudad de Río de Janeiro muy atractiva y repleta de diversión, en pleno carnaval.

El guión es muy modesto pero bien estructurado y sin caer en humor agresivo, tonto o exagerado. Todo va paso a paso sin tropiezos y con grandes emociones y entretenimiento. Los diversos episodios de aventura son adecuados para fascinar a los más pequeños, aunque adolezcan de absoluta profundidad.
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Los personajes estan bien delineados, con el desarrollo mínimo y pocos diferenciaciones internas. Los malos por un lado, y los buenos por el otro, enmarcan una total obviedad. El descenlace  tampoco sorprende, pero dejará felices a quien lo vea.
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Los diálogos son jocosos y punzantes y el doblaje latinoamericano sin falla. En lo técnico, destacan fotografía y sonido.
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El director Carlos Saldanha (La era del hielo, Robots) vuelve a generar una película divertidísima y movida, dotada de aventuras, atractivo visual en animación y perfecto sonido.
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Un licuado de elementos muy atractivos que no desagrada ni a chicos ni a grandes. Sin embargo, el pobre guión sólo sirve para entretener, sin llegar a regalarnos una obra que pueda trascender en el plano emotivo, como últimamente lo han hecho otras del género.
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Año: 2011

Género: Animación, aventura, comedia
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-------------------> Valoración numérica: 7.32

1) Dirección (33%): 7  

2) Desarrollo del guión (33%): 6

3) Implementación (16.6%): 9.5

----Animación: 10

----Doblaje y personajes: 9

4) Aspectos complementarios (16.6%): 7.25

----Disfrute: 10

----Argumento: 6

----Originalidad del guión: 5

----Diálogos: 8

5) Técnica: 2 décimas extras por fotografía y sonido

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Amor y otras drogas, la adicción más común del hombre

Trama (sin spoiler):

Jamie Randall es un joven mujeriego y despreo- cupado, aunque también ambicioso y emprendedor. Cuando entra al negocio de las farmaceúticas como promotor, re- partiendo muestras médicas, conoce a Maggie Murdock, una chica enferma de Parkinson en primera etapa. Su belleza e inteligencia lo cautiva como nunca antes, impulsándolo a tomar conciencia y pensar qué es lo mejor para su vida.

Análisis y crítica:

Con el tema del sufrimiento, Amor y otras drogas nos presenta el asunto narrativo de triunfar en el trabajo y en el amor; ello dentro del asunto argumental de determinarse a realizar lo que sea necesario por la persona amada. El mensaje es que el amor verdadero implica muchos sacrificios.

La historia de 112 minutos contiene otras ideas positivas como la amistad, la hermandad, la inteligencia, la solidaridad y la valentía; negativas como la ambición, el miedo, la mentira y la traición.

Película de planteamiento en parte recurrente y obvio para una comedia romántica, pero tiene aspectos argumentales rescatables, es lógica y entretenida.

Nos topamos con una subtrama dramática convincente, interesante y aleccionadora, relativa a la enfermedad de Parkinson. Gracias a ella reconocemos un poco del sufrimiento y miedos por los que pasan los pacientes, el rechazo de las personas y las dificultades para llevar una vida lo más normal posible.

El guión es regular, con una trama llena de clichés y pocas sorpresas. Por otro lado, convina adecuadamente la comedia simple con la parte dramática y los personajes principales se hallan bien construidos, con diferenciaciones internas y evolución suficientes; en tanto, la trama se desarrolla sin contratiempos y su resolución es efectiva.

Los diálogos son cumplidores; sin embargo, en las partes de clímax, llegan a ser buenos y vibrantes.

Las actuaciones protagónicas de Jake Gyllenhaal y Anne Hathaway son satisfactorias. Los dos demuestran frescura y espotaneidad y nos regalan varias conmovedoras escenas.

La dirección de Edward Zwick, realizador de Defiance y Blood Diamond, igualmente resulta prudente, con buen manejo de la comedia y del drama, creando un filme de ritmo rápido, ligero, interesante y que empata emocionalmente con los espectadores. El manejo de los actores y los instantes eróticos también es adecuado.

Finalmente, en el aspecto técnico sobresale la edición y la música; está última, del maestro James Newton Howard.

Obra recomendable para pasar un rato agradable, con muchos momentos de risa y algunos de reflexión, y una trama con parcialidades inteligentes y conmovedoras.

Año: 2010
Género: Comedia romántica, drama

-------------> Valoración numérica: 7.57 (100%)

1) Dirección: 7.5 (33%)

2) Desarrollo del guión: 7 (33%)

3) Actuaciones (prom.): 8 (16.5%)

---- Protagonistas: 9

---- Secundarias: 7

4) Aspectos complementarios (prom.): 7.25 (16.5%)

---- Disfrute: 9

---- Argumento: 7

---- Originalidad del guión: 6

---- Diálogos: 7

5) Técnica: 2 décimas extras por edición y banda sonora original

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Red, descubrir un complot

Trama (sin spoiler):

Red (retirado y extremadamente pe- ligroso), encarnado por Bruce Willis, es un hábil y experimentado ex agente de la CIA que por azares del destino se ve envuelto en sospechas y feroces persecuciones. Tendrá que demostrar que los malos son otros con la ayuda de  sus amigos, espías ya retirados, que usarán todas sus ha-bilidades para ayudarlo.

Análisis y crítica:

Con el tema del encubrimiento, Red nos presenta el asunto narrativo de limpiar el nombre propio y el de los colaboradores, descubriendo la verdad; ello dentro del asunto argumental de determinar en quién debemos confiar y en quién no. El mensaje es que el mal nunca triunfará, porque al final los buenos se unen para destruirlo.

La historia de 111 minutos contiene otras ideas positivas como la amistad, el compañerismo, el sacrificio, la inteligencia y la valentía; negativas como la ambición, la mentira y la traición.

La película tiene aspectos argumentales rescatables, no llega al absurdo y es entretenida y con efectivas escenas de acción, a pesar de que su planteamiento es recurrente y su desarrollo obvio, simple y anticuado. Nos topamos con una subtrama romántica sin credibilidad, interés ni sorpresa alguna. Los diálogos son trillados y grises.

El guión es pobre, recordándonos filmes de acción donde el bueno tiene que probar su inocencia y para ello tiene que destruir todo lo que se le ponga enfrente, sólo que esta vez lo hace ayudado de varios socios, interpretados por grandes actores, como son Hellen Mirren, Morgan Freeman y John Malcovich, quienes realzan la presentación con adecuadas realizaciones en personajes que, sin embargo, resultan  poco inteligentes y carentes de construcción, desarrollo y resolución convincente. Y las actuación protagónicas de Bruce Willis y Mary-Louise Parker son regulares con personajes igualmente obvios y superficiales.

La dirección, por otro lado, resulta aceptable, con buen manejo de la comedia; el mejor punto del filme son algunos aspectos técnicos como el sonido y la coreografía de acción. La cinta muestra un ritmo normal y, por momentos, rápido.

Obra recomendable para pasar un rato entretenido.

Año: 2010

Género: Acción, comedia
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----------------- > Valoración numérica: 5.86

1) Dirección: 6 (33%)
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2) Desarrollo del guión: 4 (33%)
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3) Actuaciones (prom.): 8 (16.6%)

---- Protagonistas: 7.5

---- Secundarias: 8.5
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4) Aspectos complementarios (prom.): 6 (16.6%)

---- Disfrute: 8

---- Argumento: 6

---- Originalidad del guión: 5

---- Diálogos: 5
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5) Técnica: 2 décimas extras por  sonido y coreografía de acción

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Annie Hall, dos extraños amantes

Trama (sin spoiler):

Annie Hall y Alvy Singer conforman una peculiar pareja: ella es una cantante veinteañera, liberal y cristiana; él es un comediante de televisión cuarentón, doblemente divorciado, judío y perfeccionista. Aunque no tienen nada en común, su amor es real y excitante. Cuando esas diferencias se les hacen evidentes, particularmente en sus objetivos  de vida, ellos tendrán que esforzarse para funcionar como pareja o resignarse a que el vínculo se diluya.

Análisis y crítica:

La película gira en torno al tema de la adaptación. Nos presenta el asunto narrativo de mantener una relación amorosa pese a todos los conflictos que vayan surgiendo; también el asunto argumental de conocernos a nosotros mismos y a nuestra pareja, para encontrar el sentido de la vida singular y en conjunto. En tanto, el mensaje es que debemos vivir intensamente el romance, puesto que no existe la seguridad de que perdure por mucho tiempo.

Esta historia de 93 minutos presenta bastantes conceptos negativos como la drogadicción, el aburrimiento, la hipocresía, la debilidad, el desinterés, la superficialidad, el libertinaje y el anti-semitismo; varios positivos como la sinceridad, el amor, el cariño, la simpatia, la responsabilidad y la solidaridad.

Cinta de planteamiento original para una comedia romántica, con un estilo peculiar e interesante, muy intelectual. El guión es eficaz y creativo en su desarrollo y resolución.

Todas las escenas son eficaces y la trama va adquiriendo interés durante el transcurso del metraje, gracias en gran medida a unos diálogos brillantes, fuídos y de alto nivel mental (en los cuales Allen nos da clases sobre la vida moderna) y a una sobria edición. Los personajes se hayan construidos en grado adecuado y tienen buena evolución, aunque insuficiente matiz.

El relato se configura como una especie de obra de teatro en tres actos, que integran  pequeñas parcialidades de los demás por el estilo de la película. En el primero, “Enamorados”, se cuenta el inicio de la relación entre Annie y Alvy y se señala la problemática existencial de éste como judío en la sociedad discriminatoria y contradictoria de los EE. UU. En el segundo, “Espectáculo”, se abordan algunos aspectos de la televisión de ese país en la década de los setentas, con su glamour y oportunidades, pero también sus graves defectos. En el tercero, “Diferencias”, se habla de la desigualdad en la naturaleza y objetivos de cada integrante de la pareja.

De los más excéntrico en la cinta, son los momentos en los que los personajes dejan a un lado la continuidad de la trama para dirigirse directamente a los espectadores con todavía más reflexiones sociológicas y filosóficas, sumados a una narrativa que se olvida de las normas lineales para establecer escenas de momentos pasados o futuros y volver sin pormenor alguno al actual, y también al corto animado que refresca el relato.

Por otro lado, la obra peca de intrascendencia y levedad, puesto que únicamente se esbozan varias cuestiones importantes sobre el amor de pareja, pero no se ahonda en ninguna de ellas y se resuelven sin mayor complejidad ni exploración conceptual; además, la parte romántica de la trama apenas cumple para el discurso cinematográfico, sin llegar nunca a transmitir calidez ni contrastar adecuadamente los momentos buenos y malos de la ficticia relación  entre los protagonistas. Empero, el desenlace sí es satisfactorio por su veracidad y diferencia con los de otros filmes del género.

La dirección de Woody Allen es grandiosa, brindándonos una película con ritmo rápido, muy divertida, con escenas completamente convincentes, de exacta duración  y alta calidad narrativa. El destacado realizador demuestra que se puede engendrar una buena película de la nada, con poquísimos elementos, gracias a un guión bien estructurado y de gran originalidad, que mezcla el mundo verdadero con momentos fársicos y de comedia surrealista, y a un comprometido encausamiento actoral que deviene en interpretaciones naturales y simpáticas.

Así pues, lo mejor del film se encuentra en las elevadas actuaciones  estelares de Diane Keaton y Woody Allen. Merecidísimo Oscar para ella. Allen, por su parte, logra la mejor interpretación en pantalla en el conjunto de su carrera.

Tras visionar Annie Hall, me doy cuenta de que los otros Premios Óscar que se llevó como mejor película, director y guión, desmerecen si la comparamos con Star Wars: A New Hope, película excelsa que le compitió en esas mismas categorías, ya que su libreto y trabajo de dirección son claramente superiores. Les aclaro que Annie Hall es una gran obra, pero inferior a la otra.

En suma, Allen nos regala un filme muy entretenido, inteligente y novedoso, con muy buenas actuaciones. Recomendable y paradigmática de lo que debe ser una comedia romántica satisfactoria.

Año: 1977

Género: Comedia romántica

-------------> Valoración numérica: 9.05

1) Dirección: 9 (33%)

2) Desarrollo del guión: 9 (33%)

3) Actuaciones (prom.): 8.75 (16.5%)

---- Protagonistas: 9.5

*Allen: 9

*Keaton: 10

---- Secundarias: 8

4) Aspectos complementarios (prom.): 9 (16.5%)

---- Disfrute: 9

---- Argumento: 7

---- Originalidad del guión: 10

---- Diálogos: 10

5) Técnica: 1 décima extra por edición

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