Días de gracia, crímenes y futbol

Trama (sin spoiler): 

Tres historias distintas, tres mundiales de futbol. Corea-Japón 2002, Alemania 2006 y Sudáfrica 2010 son el telón de fondo para mostrar los secuestros y la corrupción en México. Un hombre de negocios que intenta volver con su familia, un policia que lucha contra el sistema y una ama de casa que no pierde la fé de volver a ver a su esposo, nos permiten adentrarnos de modo paralelo en sus adversas circunstancias.

Análisis y crítica:

Con el tema del secuestro, Days of Grace nos presenta el asunto narrativo de enfrentarse al delito de la provación de la libertad desde tres diversos escenarios; y el asunto argumental de convivir con la corrupción imperante en México, con las consecuencias que ello conlleve. El mensaje implica que todos podemos encauzar nuestra vida hacia el bien o hacia el mal, con independencia de nuestras circunstancias.

La historia de 135 minutos contiene ideas negativas como la avaricia, el miedo, el coraje, el engaño, el rencor, la violencia, la venganza y la poca valoración hacia la vida humana; positivas como el amor, la amistad, el deporte, la responsabilidad, la esperanza, la familia, el valor, la compasión, la redención y la lealtad.

Cinta de drama y crimen desarrollada en la Ciudad de México en 2002, 2006 y 2010. Muestra la problemática actual en nuestro país, donde el crimen organizado ha llegado a todas las esferas de la sociedad y ha comprado también a la policía. 

"Días de gracia" se refiere a los treinta días de duración de cada mundial de futbol, en los cuales se permite todo y los crimales tienen aún más libertad. Dicho concepto es ambiguo en la película, sin entenderse si se refiere a una especie de tregua entre policías y ladrones o a una fiesta de unos y otros, ante la distracción de la sociedad por su interés casi único por el mundial y su equipo nacional.

El planteamiento es satisfactorio y vanguardista, a pesar de la recurrencia del tema del secuestro en el cine mexicano. Los tres relatos son armónicos y equilibrados entre sí y no son obvios, requiriendo la atención total del espectador para su entendimiento y disfrute. Los diálogos son regulares, sencillos, de lenguaje procaz y sin mucho brillo; pero contienen una que otra buena reflexión.

El guión cumple el objetivo de mostrar poco a poco las historias alternas, en tiempos diversos coincidentes con tres mundiales de futbol. No quedan las cosas claras, ni siquiera al final, siendo la interpretación subjetiva la importante. El problema más grave es la poca profundización de los personajes, los cuales van perdiendose paulatinamente conforme la trama avanza.

El director Everardo Gout realiza una excelsa ópera prima, con un ritmo natural muy bien llevado, logrando grandes actuaciones del reparto y combinando con maestría los aspectos técnicos -en particular el montaje que nunca pierde el tono dramático de la cinta y refleja el ambiente desordenado de la propia sociedad mexicana-.

Participan los actores Tenoch Huerta, Carlos Bardem y Dolores Heredia en los papeles estelares, con mención especial para el primero y alto desempeño para los segundos. En el reparto encontramos a  Mario Zaragoza, Miguel Rodarte, Paulina Gaitán, José Sefami, Dagoberto Gama y Kristian Ferrer, quienes logran actuaciones sin falla.

Un film entretenido en su extrema sordidés. Vale la pena verlo por su diferente elaboración respecto a otros sobre el aberrante tema del secuestro.

Año: 2011

País: México, Francia

Género: Crimen, drama

---------------> Valoración numérica: 7.91

1) Dirección: 8

2) Guion: 7

3) Actuaciones: 7.66

--Protagónicas: 8.33

-- Secundarias: 7

4) Complementos: 8

-- Argumento: 9

-- Originalidad: 9

-- Diálogos: 6

-- Disfrute: 8

5) Técnica: 1 décima extra por montaje; 2 décimas por sonido, edición de sonido, fotografía y música

Trailer

The Artist, el reto del cambio en el cine

Trama (sin spoiler):

George  Valentín  (Jean Dujardin) es una estrella del cine mudo de Hollywood en los años veinte. Ante la llegada de las técnicas para sumar el disurso hablado a los fotogramas, George sufre una crisis laboral y personal. Parale- lamente, Peppy Miller (Bérénice Bejo), quien inició su carrera como extra con George, empieza a brillar en el cine sonoro.

Análisis y crítica:

Con el tema del fracaso, The Artist nos presenta el asunto narrativo de filmar películas con sonido, y las consecuencias que ello produce en la vida de un actor y de una actriz; también, el asunto argumental de superar  nuestros obstáculos, con base en el talento personal. En tanto, el mensaje es que toda persona tiene la fuerza para vencer su orgullo, adaptarse a los cambios y mejorarse a sí mismo.

La historia maneja otros conceptos positivos como la admiración, la solidaridad, la lealtad, la perseverancia y la valentía; negativos como el coraje, el miedo, la impaciencia, el descuido, la baja autoestima y la traición.

Comedia de 100 minutos con planteamiento simple y algo recurrente en su género; presenta personajes de poco desarrollo y matiz. La trama implica el sistema de estudios de Hollywood, cuando existía un oligopolio en la producción fílmica. Una estrella decáe y otra viaja en  pleno ascenso; sus historias cruzadas en circunstancias diversas, pero convergentes.

Se plantea una pequeña critica al valor de los diálogos y el sonido del cine actual. Prueba de ello son las tres escenas en las que George señala con firmeza: “no quiero hablar”. En contraposición, el valor de la actuación pura, facial y corporal se reivindica, a pesar del malogrado romance; más cómico que conmovedor, de pocas y breves escenas.

Un guion cumplidor se dedica a proponer escenas visualmente atractivas y con el merito de la sencillez, para proyectar una historia casi sin diálogos (en forma de algunos subtítulos), entretenida y entendible. Deja al viento partes fundamentales que hubiesen regalado más cuerpo y seriedad al relato; sin embargo, atrapa nuestra atención y nunca pierde la continuidad.

Por otro lado, lo positivo de The Artist es su excelente forma cinematográfica conjunta, más allá del fondo que nos pretende contar. Mientras la historia es predecible y no llega a impactar lo suficiente en las parcialidades de drama, la lograda comedia muda, su impactante música, fotografía en blanco y negro, dirección de producción y vestuario, nos llevan con gran estilo y gracia a esos años dorados del cine norteamericano.

El director galo Michel Hazanavicius genera una obra de ritmo ágil, atractiva en lo visual e interesante, con risas en cada escena cómica; ayudada con la magnifica banda sonora de Ludovic Bource, de gran belleza y elocuencia, que además acompaña y da vigor a la trama. Mención especialícima a Uggie, el perro mascota de George: se roba la cinta con una simpática y natural demostración de habilidades.

La labor de los actores estelares es fastuosa, y los de cuadro de alto nivel. Los franceses Dujardin y Bejo interpretan a dos estrellas del cine de los años veinte en Los Ángeles, con gran credibiliadad y creatividad. Actuación muy distinta a la de cualquier otra cinta, donde lo que importa es la gesticulación y el desempeño corporal.

Intervienen también los actores norteamericanos John Goodman, James Cromwell, Penelope Ann Mille, Missi Pyle, Beth Grant, Ed Lauter, Malcolm McDowell y Bitsie Tulloch.

Obra muy recomendable en general. Representa un bienlogrado y entretenido homenaje al cine original de Hollywood, a pesar de algunas fallas y la poca profundidad del libreto.

Año: 2011

Género: Comedia, romance

-------------> Valoración numérica: 9.31

1) Dirección: 10 (33%)

2) Desarrollo del guión: 8 (33%)

3) Actuaciones (prom.): 9.5 (16.5%)

---- Protagonistas: 10

---- Secundarias: 9

4) Aspectos complementarios (prom.): 8 (16.5%)

---- Disfrute: 10

---- Argumento: 7

---- Originalidad del guión: 7

---- Diálogos: --

5) Técnica: 2 décimas extras por fotografía y música; 2 décimas por montaje, vestuario, dirección artística y sonido

Trailer:

La invención de Hugo Cabret, la fábrica de sueños

Trama (sin spoiler):

Hugo Cabret (Asa Butterfield) es un niño francés de diez años. Huérfano, trabaja furtivamente como relojero en la estación de trenes de París. Su mundo es pequeño, mas de grandes esperanzas y fantasías. A punto de culminar su invención, lazo indeleble con su difunto padre, encuentra contratiempos y alegrías con George (Ben Kingsley), el juguetero malhumorado, y su pequeña  y  curiosa hija Isabelle (Chloë Grace  Moretz).  Su invento encierra misterios ligados a los inicios de la historia del cine.

Análisis y crítica:

Con los temas de la creatividad y de la frustración, Hugo nos presenta los asuntos narrativos de reparar un juguete humanoide y de descubrir el pasado del juguetero, don George; integrados en el asunto argumental de superar la melancolía y encontrar nuestro lugar en el universo. El mensaje es que nunca debemos abandonar nuestros sueños.

La historia de 126 minutos contiene otras ideas positivas como la amistad, la solidaridad, la perseverancia, la creatividad, la ilusión, la esperanza, la inteligencia, la habilidad, la admiración, el respeto y el amor; negativas como el coraje, el miedo, la derrota, el apego, la mentira, la soledad y el olvido.

Película de planteamiento complejo y rumbo novedoso, en el que un niño tendrá que ser perseverante hasta un punto límite con tal de reencontrarse de una manera mística y emotiva con su padre; pero esta nueva unión puede darle un nuevo rumbo a su existencia y a la de don George, un malhumorado juguetero de la estación de trenes de París. La invención de Hugo, piensa él, le entregará un mensaje fundamental de su padre ya difunto.

El guion es muy elaborado y toca puntos muy sensiblez de la condición humana. La soledad y la búsqueda de la felicidad a través de la amistad y la familia, se ponen de énfasis durante todo el metraje. Un tinglado de efectos especiales efectivos, a pesar de ser discretos respecto a otras cintas, le aportan mucho a la narrativa fílmica.

Una cinta donde el 3D es pieza fundamental y se aprovecha para describir los hilos argumentales. Así, se disfruta a cada segundo y nos va aportando elementos para entender y sentir las escenas.

Los diálogos son elaborados y punzantes. Desarrollan los planos y trasmiten las ideas y sentimientos de los personajes. Con pocos cliches, el libreto plantea escenas rápidas, fugaces y siempre justificadas. Aunque de existir un poco más de desarrollo en las relatos de soporte, sería redondo.

El desarrollo de los personajes es perfecto y empatan las historias de los protagonistas con las de los secundarios. Los misterios se van resolviendo en su justo ritmo y momento; si bien, les falta un poco de explotación a la subtramas románticas del vigilante de la estación y la florista, y la de la amistad entre Hugo e Isabelle, sin que ello genere mayor problema para el disfrute o la calidad conjunta de la película.

El maestro Martin Scorsese, irreconocible pero magnífico, crea un un film eterno de imborrables escenas, con un argumento impecable que desarrolla dos historias particulares que se observan sin tocarse: la de Hugo y la don George. Además, representa al mismo tiempo un profundo y entrañable homenaje a los inicios del cine.

Una creación fílmica dificil de encasillar en un sólo género. Representa un combinación sui gereris y una acabada forma de creatividad conjunta entre actores, director, productores y equipo técnico. Entretiene y emociona en cada plano. La cinta le llega a chicos y grandes por igual, gracias a demoledoras escenas que penetran el corazón.

Su ritmo es rápido, vertiginoso en lapsos; la descripción de la época y del país, sorprendente; y la edición integral, inteligente y productiva. 

La música de Howard Shore resulta muy elocuente y descriptiva, llevándonos a los sentimientos de los personajes y del propio Scorsese, con un logrado homenaje hacia el cine y al personaje de Georges Méliès, productor, director, guionista y actor galo de los años veinte.

El reparto logra alto nivel actoral. Menciones especiales para Ben Kingsley y Asa Butterfield; cada uno, por su parte, imprime su personal sello y nos impacta como espectadores con inolvidables escenas y emociones ostensibles.

Clhoë Moretz otorga otra gran interpretación y es la piedra angular y unión de todas las tramas y subtramas. Naturalísima. Por su parte, Sasha Baron Cohen encarna a un muy simpático (y a veces antípático) policía ferroviario. Sin olvidar a los prudentes Emily Mortimer, Christopher Lee, Frances Stuhlbarg, Richard Griffiths, Jude Law y Helen McCrory.

Gran homenaje al cine y a la inventiva del ser humano. Una obra irrepetible que nos lleva en una montaña rusa de emociones. De esas películas que te dejan una sonrisa en los labios y una lágrima en la mejilla.

Año: 2011

Género: fantasía, aventura, drama, misterio

---------> Valoración numérica: 10

1) Dirección: 10

2) Guion: 9.5

3) Actuaciones: 9.25

--- Protagonistas 9.5

--- Secundarias: 9

4) Complementos: 9.5

--- Argumento: 10

--- Originalidad: 9

--- Diálogos: 9

--- Disfrute: 10

5) Extras: 4 décimas por dirección artística, efectos visuales, música y montaje; 15 centécimas por fotografía, vestuario y sonido.

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Las Idus de marzo, lo sucio de la política

Trama (sin spoiler):

Stephen Meyers (Ryan Gosling) trabaja como segundo director de campaña para Mike Morris (Clooney), Gobernador de Pensilvania y quien se presenta como potencial candidato presidencial compitiendo en las primarias del partido demócrata en 2004. Stephen es testigo y víctima de los entresijos del sistema político, de la corrupción y la hipocresía que lo rodean, llevándolo a cuestionar sus ideales.

Análisis y crítica:

Con el tema de la traición, Las Idus de marzo nos presenta el asunto narrativo de realizar una exitosa campaña política para ganar la Presidencia de EE.UU.; ello dentro del asunto argumental de determinar en quién debemos confiar y en quién no. El mensaje es que en la política todo se vale y las lealtades son mera apariencia.

La historia de 101 minutos contiene otras ideas negativas como la ambición, la mentira, la manipulación, la cobardía y el olvido de los ideales; positivas como el amor, la compasión, la autosuperación y la inteligencia. La banda sonora creada por Alexandre Desplat es magnífica y da el tono emocional exacto al drama fílmico.

La película tiene aspectos argumentales rescatables, a pesar de que su planteamiento es recurrente y su desarrollo obvio y anticuado. La temática que trata el film, se basa en la precampaña electoral de un candidato demócrata, inspirándose en el devenir político anterior a las elecciones del 2004, contra el entonces presidente republicano George W. Bush.

"Cuídate de los idus de mazo" fue la famosa frase que escribió William Shakespeare en "Julio César". Esta era una advertencia de un adivino al protagonista de la obra respecto al día idus, la mitad del mes. Históricamente, este día es conocido por el asesinato de Julio César a manos de Bruto. ¿Salvó Bruto y el resto de los conspiradores a Roma del dominio de un tirano o su acto fue uno de traición a la República?

El guión, escrito por George Clooney, retoma la anécdota de la traición de Bruto para dejar al descubierto la cara más oscura de la política y los juegos sucios que hay detrás de las multimillonarias elecciones estadounidenses. El libreto es de mediana calidad, con una trama interesante sólo por momentos y personajes inteligentes y de adecuada construcción, desarrollo y resolución.

En contraste, nos topamos con una subtrama romántica sin credibilidad, interés ni sorpresa alguna; también llegamos a varios lugares comunes para cintas de thriller político.  Los diálogos son intelectualoides y bien construídos, mas trillados y grises.
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La dirección del propio Clooney queda a deber, puesto que el ritmo es semilento y se extrañan escenas intensas y de mayor duración y algún logro destacable respecto a los objetivos de la trama. Tampoco existe versatilidad en la narrativa, la cual peca de prudente y sobria. Por otro lado, sí consigue excelentes actuaciones de Ryan Gosling, Philip Seymour Hoffman, Paul Giamatti, Evan Rachel Wood y Marisa Tomey.

Obra recomendable gracias al interesante planteamiento, pero poco entretenida y sin profundización sobre lo maquiavélico de la política.

Año: 2011

Género: Suspenso, drama

-------------> Valoración numérica: 7.76

1) Dirección: 7

2) Desarrollo del guión: 7.5

3) Actuaciones : 9

….Protagonista: 9

….Secundarias: 9

4) Complementos: 8

....Disfrute: 7

....Argumento: 9

....Originalidad del guión: 7

....Diálogos: 9

5) Técnica: 1 décima extra por música

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Las mejores películas del 2011

Este año, particularmente bueno en propuestas fílmicas, está por acabar. La temporada de premios está en pleno apogeo, rumbo a los Oscars 2012. Por ello, les presento el video con los doce ganadoras del AFI; aparte de ellas, hay que considerar a Las Aventuras de Tintin, A Separation, Drive, The Shame, Take Shelter y Extremely Loud and Incredibly Close como las mejores películas del año.

:-.-:

Moneyball, rompiendo las reglas

Trama (sin spoiler):

Billy Beane (Brad Pitt), exjugador profesional, es el Gerente General de los Atléticos de Okland en el año 2002. Ante la salida de sus tres mejores jugadores por falta de presupuesto, Billy está desesperado por lograr, no sólo que el equipo mantenga un buen nivel de juego, sino el campeonato mundial de beisbol; para ello, y con la ayuda de Peter Brand (Johan Hill), graduado en Economía por la Universidad de Harvard, implementa el método estadístico para combatir la chequera de los conjuntos ricos, como los Yankees de Nueva York.

Análisis y crítica:

Con el tema de la convicción, El Juego de la Fortuna nos presenta el asunto narrativo de conseguir que un equipo de beisbol de escasos recursos económicos obtenga el título mundial en las grandes ligas; además, el asunto argumental de provocar que el beisbol de EE. UU. sea un juego justo, si los equipos ricos dejan de tener ventajas por su posibilidades monetarias, respecto a las novenas modestas. En tanto, el mensaje es que cualquier persona puede alcanzar sus sueños, si aprovecha al máximo sus recursos.

La historia de 133 minutos, basada en la novela de Michael Lewis (“Moneyball: el arte de ganar un juego injusto”), presenta otras ideas positivas como la solidaridad, la confianza, la adaptación, el amor, la amistad, la inteligencia y la valentía; negativas como la traición, el miedo, el descuido, la desigualdad, la soberbia, la indolencia, la impaciencia y el coraje.

Película de planteamiento y desarrollo novedosos para un drama deportivo. Su estilo es complejo en su narrativa al relatar las historias presente y pasada de Billy, como gerente y como prospecto de jugador de beisbol estrella, de una manera breve, directa y evocativa. Billy se enfrenta al excepticismo de su equipo de trabajo, a quienes logra convencer gracias a su labor sincera y por su enorme fe.

No es una cinta deportiva como otras, puesto que lo importante no es el juego en sí mismo, sino el relato de superación de un hombre, encauzando con ello la superación personal de todos y cada uno de los miembros de Los Atléticos.

El guión es de la autoría de Steven Zaillian y Aaron Sorkin (Red Social). Posee alta calidad, gracias a una efectiva construcción y evolución de personajes y una senda y resolución interesantes. Además, existen apropiados matices para los personajes. El final es entrañable y realista, sin dejar a un lado el tono esperanzador del metraje.

Los diálogos son inteligentes y emotivos, definiendo el tratamiento conceptual de la trama para su buen entendimiento, particularmente en lo que respecta a números y estadísticas, dejando a un lado innecesarios rebuscamientos y rodeos.

Como director, Bennett Miller (Capote) nos envuelve como pretende en una cinta de ritmo natural y entretenida. Logra muy buenas escenas dramáticas, con emotividad e importancia narrativa, derivando en una presentación sobria que inspira a la reflexión de muchos temas personales, familiares y deportivos. Las secuencias de acción se ven espectaculares, apoyadas por los aspectos técnicos; aunque son más bien breves, otorgan sentido y efectividad a la historia.

Los actores desarrollan sus papeles de manera más que correcta; mención aparte para el protagonista Brad Pitt que realiza una conmovedora interpretación de un hombre que intenta obtener un verdadero triunfo al implementar un sistema de contrataciones independiente de lo monetario, basado en análisis estadísticos, y así revolucionar el beisbol de las grandes ligas. Johan Hill sorprende en un papel serío, desarrollado con eficacia. Las interpretaciones de ambos son la piedra angular de la cinta y para que funcione con tanta fluidez.

El reparto es amplio y consistente, integrado también por los actores Philip Seymour Hoffman (manager Art Lowe), Stephen Bishop (David Justice), Chris Pratt (Scott Hatteberg), Nick Porrazzo (Jeremy Giambi), Kerris Dorsey (Casey Beane), Robin Wright (Sharon), Brent Jennings (Ron Washington), Reed Thompson (Billy joven), Casey Bond (Chad Bradford), Miguel Mendoza (Ricardo Rincón), Adrian Bellani (Carlos Peña) y Vito Ruginis (Pittaro).

 En el aspecto técnico, sobresalen montaje, fotografía, banda sonora original y canción.

Una película entretenida, emotiva, inteligente y muy aleccionadora, de alta calidad histriónica. Simplemente imperdible.

Año: 2011

Género: Drama deportivo

-------------> Valoración numérica: 9.52

1) Dirección: 9

2) Desarrollo del guión: 9.5

3) Actuaciones : 9.25

….Protagonista: 10

….Secundarias: 8.5

4) Complementos: 9.37

Disfrute: 9.5

Argumento: 10

Originalidad del guión: 9

Diálogos: 9

5) Técnica: 1 décima extra por montaje; 15 centécimas por fotografía, música y canción

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Amanecer, parte 1; morir por amor

Trama (sin spoiler):

Bella y Edward han luchado por su amor. Por fin llega el día de su unión matrimonial y entonces sobrevienen los conflictos dados sus diferentes orígenes biológicos y expec- tativas de vida; además, el pacto con los hombres-lobo corre el riesgo de romperse unos meses después,  cuando se enteran que Bella espera un hijo vampiro. Por su parte, Jacob sigue enamorado de ella y la defendera incondicionalmente.

Análisis y crítica:

Con el tema del sacrificio, La saga de Crepúsculo, Amanecer (parte 1), nos presenta el asunto narrativo de sobrevivir a un difícil embarazo y el asunto argumental de decidir entre los deseos propios y los de la pareja. En tanto, en mensaje es que los más importante es defender lo que pensamos y queremos, con valentía y confianza en la familia.

La historia de 117 minutos contiene otras ideas positivas como el amor, la hermandad, la solidaridad, la amistad y el compromiso; negativas como el miedo, el odio, la venganza, la traición y la poca valoración hacia la vida.

Tras las cintas Crepúsculo, Luna Nueva y Eclipse, llega Amanecer, en la que Bella y Edward se unen formalmente y pretenden luchar juntos contra todos los obstáculos; en particular, contra las exigencias de su nueva situación en su núcleo y las diferencias entre sus familiares.

Todo se ve favorable al principio. La pareja pretende gozar de una luna de miel soñada, pero al poco tiempo surge el inesperado embarazo de la protagonista, que pone en riesgo su vida y a las tres razas la una contra la otra.

En esta entrega el personaje de Bella vira 180 grados, alejándose del único interés en Edward, para tomar su lugar dentro de su nueva familia y demostrar la decisión y valor indispensables para cumplir sus propios deseos e ideales.

El guión es malo, porque no ofrece una narrativa satisfactoria y las sorpresas que se pretenden no cuajan. El nudo dramático principal no convence y desde el principio, aunque no hayas leído el libro, sospechamos el desenlace. Los conflictos entre Bella, Edward y Jacob carecen de la fuerza y convicción necesaria; sus familias tampoco llegan a conformar una pugna creíble. Los diálogos están llenos de parsimonia y carecen de fuerza emotiva e ingenio.

En cuanto a la dirección de Bill Condon (Soñadoras, Kinsey), la estructura y desenvolvimiento de las escenas son bien llevadas, aunque el ritmo es aletargado. A las partes climáticas de la trama les falta energía y las interpretaciones del conjunto no alcanzan gran nivel. Las escenas de acción, indispensables en cada película de la saga, son bien realizadas técnicamente, pero algo breves.

La actuación protagónica de Kristen Stewart, Taylor Lautner y Robert Pattison son cumplidoras; sin embargo, personalmente esperaba mayor calidad actoral. Kristen luce bastante demacrada en su personaje, en un papel creíble y donde es exigida un poco más. Los otros dos actores realizan papeles mínimos y forzados.

El resto del reparto ni destaca ni decepciona; participan Sarah Clarke (Renée), Ashley Greene (Alice Cullen), Elizabeth Reaser (Esme Cullen), Nikki Reed (Rosalie Hale), Gil Birmingham (Billy), Ty Olsson (Phil), Kellan Lutz (Emmett Cullen) y Peter Facinelli (Dr. Carlisle Cullen).

Decepcionante en general; recomendable sólo para los fans de hueso colorado.

---------------> Valoración numérica: 4.76

1) Dirección: 4

2) Guion: 4

3) Actuaciones: 6.5

--- Protagónicas: 6

--- Secundarias: 7

4) Complementos: 4.25

--- Argumento: 5

--- Originalidad: 3

--- Diálogos: 3

--- Disfrute: 6

5) Técnica: 2 décimas extras por maquillaje y efectos visuales; 1 décima por fotografía y sonido

Trailer: