The Artist, el reto del cambio en el cine

Trama (sin spoiler):

George  Valentín  (Jean Dujardin) es una estrella del cine mudo de Hollywood en los años veinte. Ante la llegada de las técnicas para sumar el disurso hablado a los fotogramas, George sufre una crisis laboral y personal. Parale- lamente, Peppy Miller (Bérénice Bejo), quien inició su carrera como extra con George, empieza a brillar en el cine sonoro.

Análisis y crítica:

Con el tema del fracaso, The Artist nos presenta el asunto narrativo de filmar películas con sonido, y las consecuencias que ello produce en la vida de un actor y de una actriz; también, el asunto argumental de superar  nuestros obstáculos, con base en el talento personal. En tanto, el mensaje es que toda persona tiene la fuerza para vencer su orgullo, adaptarse a los cambios y mejorarse a sí mismo.

La historia maneja otros conceptos positivos como la admiración, la solidaridad, la lealtad, la perseverancia y la valentía; negativos como el coraje, el miedo, la impaciencia, el descuido, la baja autoestima y la traición.

Comedia de 100 minutos con planteamiento simple y algo recurrente en su género; presenta personajes de poco desarrollo y matiz. La trama implica el sistema de estudios de Hollywood, cuando existía un oligopolio en la producción fílmica. Una estrella decáe y otra viaja en  pleno ascenso; sus historias cruzadas en circunstancias diversas, pero convergentes.

Se plantea una pequeña critica al valor de los diálogos y el sonido del cine actual. Prueba de ello son las tres escenas en las que George señala con firmeza: “no quiero hablar”. En contraposición, el valor de la actuación pura, facial y corporal se reivindica, a pesar del malogrado romance; más cómico que conmovedor, de pocas y breves escenas.

Un guion cumplidor se dedica a proponer escenas visualmente atractivas y con el merito de la sencillez, para proyectar una historia casi sin diálogos (en forma de algunos subtítulos), entretenida y entendible. Deja al viento partes fundamentales que hubiesen regalado más cuerpo y seriedad al relato; sin embargo, atrapa nuestra atención y nunca pierde la continuidad.

Por otro lado, lo positivo de The Artist es su excelente forma cinematográfica conjunta, más allá del fondo que nos pretende contar. Mientras la historia es predecible y no llega a impactar lo suficiente en las parcialidades de drama, la lograda comedia muda, su impactante música, fotografía en blanco y negro, dirección de producción y vestuario, nos llevan con gran estilo y gracia a esos años dorados del cine norteamericano.

El director galo Michel Hazanavicius genera una obra de ritmo ágil, atractiva en lo visual e interesante, con risas en cada escena cómica; ayudada con la magnifica banda sonora de Ludovic Bource, de gran belleza y elocuencia, que además acompaña y da vigor a la trama. Mención especialícima a Uggie, el perro mascota de George: se roba la cinta con una simpática y natural demostración de habilidades.

La labor de los actores estelares es fastuosa, y los de cuadro de alto nivel. Los franceses Dujardin y Bejo interpretan a dos estrellas del cine de los años veinte en Los Ángeles, con gran credibiliadad y creatividad. Actuación muy distinta a la de cualquier otra cinta, donde lo que importa es la gesticulación y el desempeño corporal.

Intervienen también los actores norteamericanos John Goodman, James Cromwell, Penelope Ann Mille, Missi Pyle, Beth Grant, Ed Lauter, Malcolm McDowell y Bitsie Tulloch.

Obra muy recomendable en general. Representa un bienlogrado y entretenido homenaje al cine original de Hollywood, a pesar de algunas fallas y la poca profundidad del libreto.

Año: 2011

Género: Comedia, romance

-------------> Valoración numérica: 9.31

1) Dirección: 10 (33%)

2) Desarrollo del guión: 8 (33%)

3) Actuaciones (prom.): 9.5 (16.5%)

---- Protagonistas: 10

---- Secundarias: 9

4) Aspectos complementarios (prom.): 8 (16.5%)

---- Disfrute: 10

---- Argumento: 7

---- Originalidad del guión: 7

---- Diálogos: --

5) Técnica: 2 décimas extras por fotografía y música; 2 décimas por montaje, vestuario, dirección artística y sonido

Trailer:

Amanecer, parte 1; morir por amor

Trama (sin spoiler):

Bella y Edward han luchado por su amor. Por fin llega el día de su unión matrimonial y entonces sobrevienen los conflictos dados sus diferentes orígenes biológicos y expec- tativas de vida; además, el pacto con los hombres-lobo corre el riesgo de romperse unos meses después,  cuando se enteran que Bella espera un hijo vampiro. Por su parte, Jacob sigue enamorado de ella y la defendera incondicionalmente.

Análisis y crítica:

Con el tema del sacrificio, La saga de Crepúsculo, Amanecer (parte 1), nos presenta el asunto narrativo de sobrevivir a un difícil embarazo y el asunto argumental de decidir entre los deseos propios y los de la pareja. En tanto, en mensaje es que los más importante es defender lo que pensamos y queremos, con valentía y confianza en la familia.

La historia de 117 minutos contiene otras ideas positivas como el amor, la hermandad, la solidaridad, la amistad y el compromiso; negativas como el miedo, el odio, la venganza, la traición y la poca valoración hacia la vida.

Tras las cintas Crepúsculo, Luna Nueva y Eclipse, llega Amanecer, en la que Bella y Edward se unen formalmente y pretenden luchar juntos contra todos los obstáculos; en particular, contra las exigencias de su nueva situación en su núcleo y las diferencias entre sus familiares.

Todo se ve favorable al principio. La pareja pretende gozar de una luna de miel soñada, pero al poco tiempo surge el inesperado embarazo de la protagonista, que pone en riesgo su vida y a las tres razas la una contra la otra.

En esta entrega el personaje de Bella vira 180 grados, alejándose del único interés en Edward, para tomar su lugar dentro de su nueva familia y demostrar la decisión y valor indispensables para cumplir sus propios deseos e ideales.

El guión es malo, porque no ofrece una narrativa satisfactoria y las sorpresas que se pretenden no cuajan. El nudo dramático principal no convence y desde el principio, aunque no hayas leído el libro, sospechamos el desenlace. Los conflictos entre Bella, Edward y Jacob carecen de la fuerza y convicción necesaria; sus familias tampoco llegan a conformar una pugna creíble. Los diálogos están llenos de parsimonia y carecen de fuerza emotiva e ingenio.

En cuanto a la dirección de Bill Condon (Soñadoras, Kinsey), la estructura y desenvolvimiento de las escenas son bien llevadas, aunque el ritmo es aletargado. A las partes climáticas de la trama les falta energía y las interpretaciones del conjunto no alcanzan gran nivel. Las escenas de acción, indispensables en cada película de la saga, son bien realizadas técnicamente, pero algo breves.

La actuación protagónica de Kristen Stewart, Taylor Lautner y Robert Pattison son cumplidoras; sin embargo, personalmente esperaba mayor calidad actoral. Kristen luce bastante demacrada en su personaje, en un papel creíble y donde es exigida un poco más. Los otros dos actores realizan papeles mínimos y forzados.

El resto del reparto ni destaca ni decepciona; participan Sarah Clarke (Renée), Ashley Greene (Alice Cullen), Elizabeth Reaser (Esme Cullen), Nikki Reed (Rosalie Hale), Gil Birmingham (Billy), Ty Olsson (Phil), Kellan Lutz (Emmett Cullen) y Peter Facinelli (Dr. Carlisle Cullen).

Decepcionante en general; recomendable sólo para los fans de hueso colorado.

---------------> Valoración numérica: 4.76

1) Dirección: 4

2) Guion: 4

3) Actuaciones: 6.5

--- Protagónicas: 6

--- Secundarias: 7

4) Complementos: 4.25

--- Argumento: 5

--- Originalidad: 3

--- Diálogos: 3

--- Disfrute: 6

5) Técnica: 2 décimas extras por maquillaje y efectos visuales; 1 décima por fotografía y sonido

Trailer:

La Promesa (Wu Ji)

Ayer vi "The Promise", una película que desde hacía tiempo quería ver, pero por diversos motivos había estado pasando por alto. 

Por ahí leí que, hasta el momento, ésta ha sido la película china con mayor presupuesto, fue nominada al globo de oro en 2006 como mejor película extranjera y, por si esto fuera poco, el hecho de contar como protagónicos con actores de la talla de Jang Dong Gun, Hiroyuki Sanada, Nicholas Tse y Cecilia Cheung, sin duda hacen esta película de visión obligada para los amantes del séptimo arte...

Argumento:

Qing Cheng es una pobre niña huérfana que roba comida y vestido a los muertos para poder sobrevivir; pero un día, mientras huye de un niño a quien le ha robado, se encuentra con una Diosa y ella le hace una tentadora propuesta: la convertirá en una hermosa princesa que tendrá todo tipo de riquezas y no volverá a pasar hambre, pero, a cambio, ella jamás podrá encontrar el amor verdadero, pues, cualquier hombre que ella ame terminará sus días de manera trágica.

Qing Cheng no se lo piensa demasiado y acepta el trato, pero, conforme los años pasan, ella se arrepiente de la decisión que tomó, pues, tal como lo sentenció la Diosa, todos los hombres que ella ama, terminan sufriendo desdichas.

El más reciente amor de Qing Cheng es el valiente General Guang Ming, quien es poseedor de la armadura carmesí y oculta su rostro tras una máscara dorada. Qing Cheng se enamora del hombre de la máscara dorada cuando éste la salva de la muerte; sin embargo, lo que ella no sabe es que, quien la salvó, no fue Guang Ming, sino Kunlun, el esclavo del General.

La maldición de Qing Cheng sólo podrá anularse cuando "el tiempo corra hacia atrás, la nieve caiga en primavera y lo que estaba muerto vuelva a la vida..."

Kunlun y Qing Cheng tendrán que hacerle frente a su destino y enfrentar a un poderoso enemigo, el despiadado Duque Wu Huan... ¿Qing Cheng conseguirá librarse de su fatídico destino y deshacer la maldición? ¿podrá ella encontrar algún día el verdadero amor?

 Opinión:

Esta película cuenta con una historia que engancha, un buen guión, preciosa fotografía y muy buenas actuaciones. Como puntos en contra, debo decir que algunos de los efectos especiales resultan risibles, sobre todo para una película que se jacta de su gran presupuesto; además de que la actuación de Jang Dong Gun fue, si acaso, aceptable...rayando en lo mediocre (y eso que siempre me ha gustado este actor, pero en serio, no me gustó casi nada como abordó el personaje).

Los puntos negativos se compensan; sin embargo, por las estupendas actuaciones de Hiroyuki Sanada y Nicholas Tse, quienes sin duda se roban la película; además, la adecuada coreografía de acción, así como los bellos paisajes y la hermosa fotografía hacen otro tanto para entregarnos una experiencia visualmente rica y compensar los puntos débiles de la pelícua.

Personalmente, y a pesar de sus fallos, sí me gustó "The Promise". Podrá parecer una historia más de "fantasía-épica", pero está bien desarrollada y se mide donde tiene que medirse...no hay excesos ni en actuación ni en giros argumentales, y, como ya he dicho, visualmente cuenta con hermosos paísajes y un genial manejo de la fotografía. Si bien no merece grandes honores, tampoco es una película para dejar en el olvido...yo le doy un 8.5 sobre 10 ^_~

Medianoche en París, contradicciones existenciales

Trama (sin spoiler):

Gil e Inez, una pareja de turistas americanos, llegan a París para conocer la ciudad y reunirse con los padres de ella. Ahí, coinciden por casualidad con un amigo de Inez llamado Paul (Michael Sheen) y con su novia. Entonces, lo que en apariencia son unas vacaciones para convivir en pareja, se convierten en aventuras separadas.

Mientras Inez (Rachel McAdams) se divierte con Paul, Gil (Owen Wilson) sale todas las noches a caminar por la ciudad para inspirarse y terminar su novela; sin saber cómo, el escritor es trasportado a los años veinte, lo que le permite conocer al circulo privilegiado de artístas clásicos parisinos, personajes que admira profundamente: Ernest Hemingway, Gertrude Stein, Scott y Zelda Fitzgerar, Pablo Picasso, Cole Porter, Salvador Dalí y Luis Buñuel, entre otros. Además, Gil traba gran amistad con Adriana (Marion Cotillard), una francesa bella y elegante de esa misma época.

Análisis y crítica:

Con los temas de la nostalgia y de la insatisfacción, Midnight in Paris nos presenta el asunto narrativo de decidir sobre la publicación o no de una novela; también, el asunto argumental de encontrar a la pareja y a la situación existencial ideales. En tanto, el mensaje implica que todo tiempo pasado fue mejor.

La historia, de escasos 94 minutos, contiene ideas positivas como el amor, la amistad, la curiosidad, la admiración, la alegría, la esperanza, la plenitud y la genialidad creativa; negativas como la frustración, la deslealtad, el descuido, el temor, el arrepentimiento, la baja autoconfianza y el egoísmo.

Con un planteamiento sencillo y algo recurrente para comedias románticas, la película nos trasporta de manera contundente y mágica al París de la década de 1920, en su máxima belleza y esplendor. La “Ciudad Luz” es el corazón de la trama y de las nociones existenciales ya comunes, pero siempre interesantes y profundas, en Woody Allen.

Una pareja protagónica, a punto de casarse, llega a la ciudad más bella y glamorosa del mundo, despedida ideal de su solteria. Todo combia por pequeños detalles y relaciones del pasado, que les imponen el reto de definir el verdadero camino de su felicidad individual y de pareja y de consolidar una efectiva convivencia, la cual sólo es viable si armonizan sus distintas espectativas e intereses, si aprenden a convivir y apoyarse, más que a imponer su voluntad.

El realismo mágico, presente igualmente en la filmografía del director neoyorquino, se materializa para un gran disfrute visual, en un discurso cinematográfico muy prudente que jamás llega a excesos ni absurdos, aunque, personalmente, me quedé con ganas de reconocer más sitios parisinos.

El guion es brillante en cuanto a personajes, desarrollo argumental y diálogos; los últimos se distinguen por su agudeza, elocuencia e inteligencia. Sin embargo, queda a deber respecto a la evolución y resolución del asunto narrativo y de las subtramas románticas, que finalizan abiertas y en contradicción al pesimismo inmanente de las premisas del mensaje.

La dirección de Allen es más que satisfactoria, con una cinta simpática, amable, divertida y hasta inocente. Eh de reconocer que esa sólo es una de las dos caras de la moneda, porque en el fondo se plantea que la vida del ser humano siempre va en picada y nunca alcanzará real plenitud. Por ello, el protagonista se ve obligado a escapar de su cruda realidad, alucinando momentos y ciudades ajenas, convitiéndolas en suyas, para construir su propio idilio vivencial.

Allen implementa todo lo necesario para recrear el sueño, al tiempo de homenajear a una ciudad emblemática de la humanidad; pero, a la par, su trabajo sirve para criticar, de forma mordaz y aguda, los disvalores y artificiosas espectativas de nuestros tiempos modernos, al apresurado ritmo de vida actual, a la anulación de la importancia subjetiva del hombre y al olvido de sus más profundos y sinceros deseos.

El reparto está genial en su labor, apoyado por la extraordinaria construcción y caracterización física de los personajes. Mas, quien se roba la cinta Marion Cotillard, como la fina amante de Picasso, constituyendo la piedra angular del relato y el objeto del deseo.

También participan los actores Kurt Fuller, Mimi Kennedy, Nina Arianda, Carla Bruni, Corey Stoll, Kathy Bates, Yves Heck, Tom Hiddleston, Alison Pill, Sonia Rolland, Adrien Brody, Macial Di Fonzo Bo y Léa Seydoux.

Una hurra para Owen Wilson por el único trabajo destacable de su filmografía. Un personaje cálido, soñador, triste al tiempo que esperanzado; el convencimiento y veracidad que logra es impresionante en una película tan fantasiosa y singular como esta.

Los aspectos técnicos son superiores y redondean el filme. Me agradaron altamente el vestuario, dirección artística, fotografía y sonido.

Una obra personalísima, de magnífica hechura e inolvidable. Un existencialismo agridulce, pesimista con rostro amable.

Año: 2011

Género: Comedia romántica, fantasía, drama

------------------> Valoración numérica: 9.38

1) Dirección: 9

2) Guion: 9.5

3) Interpretaciones: 8.5

Protagónica: 8

Secundarias: 9

4) Complementos: 9

Argumento: 9

Diálogos: 10

Originalidad: 8

Disfrute: 9

5) Técnica: 2 décimas extras por dirección artística y fotografía; 1 décima por sonido y vestuario.

Trailer:

Agentes del destino, ¿existe el libre albedrío?

Trama (sin spoiler):

El congresista David Norris (Matt Damon)  se encuentra en plena campaña por el senado estadounidense. Su juventud e impredecible comportamiento son su principal obstáculo para alcanzar el cargo. De manera casual, conoce a la mujer de sus sueños, Elise Sellas (Emily Blunt), quien es una destacada bailarina de ballet clásico. Entonces, un misterioso grupo de agentes guber- namentales pretenden evitar que se sigan viendo. David y Elise tendrán que luchar contra el destino si quieren consolidar su relación y sus carreras profesionales; pero, ¿cuál es el verdadero destino que les corresponde?

Análisis y crítica:

Con el tema del libre albedrío, The adjustament bureau nos presenta el asunto narrativo de cambiar el destino que la naturaleza o Dios ha ideado para nosotros; también, el asunto argumental de tomar la mejor decisión que podamos, prefiriendo nuestros deseos y necesidades  más profundos,  ante lo que materialmente nos convenga. En tanto, el mensaje es que el libre albedrío del ser humano sólo es aparente; sin embargo, el destino puede cambiarse excepcionalmente si empleamos inteligencia y valor.

La historia de 106 minutos presenta otras ideas positivas como el amor romántico, la sensatez, el esfuerzo y la honestidad; negativas como el miedo, la debilidad, la ambición, la soberbia y el engaño.

Película de original argumento que empieza como comedia romántica del montón para evolucionar y construir transiciones hacia el género fantástico, de estilo experimental, y el acercamiento al misterio,  gracias a  profundas ideas filosóficas acerca de la existencia de Dios, del destino, de la casualidad y la causalidad, del libre albedrío, de la reencarnación, de la naturaleza y finalidad del hombre en el universo, del sometimiento ejercido por el gobierno sobre los ciudadanos y de la esencia de la felicidad.

La cinta, aunque va mucho más allá en sus ideas de fondo, se coloca en el género de la ciencia ficción por el tema del destino, que implica la existencia de universos paralelos o un sólo universo que va conformándose momento a momento mediante la observación y toma de decisiones de todos y cada uno de los sujetos inmersos en él.

Como dato cultural, la física de partículas o física cuántica, ya ha demostrado que los electrónes ocupan varias posiciones espaciales al mismo tiempo y, precisamente, los experimentos realizados en el Gran Colisionador de Hadrones, ubicado en Ginebra, en la frontera franco-suiza, tienen por objeto demostrar la verdadera naturaleza del universo, del tiempo, de la materia y de la energía, entre otros aspectos muy técnicos sobre la realidad que no percibimos en primera instancia con nuestros sentidos.

Los conceptos filosóficos y científicos son tratados de manera superficial y por alegorías, así que se pueden perder en un guión que es apenas cumplidor y que desaprovecha dichos elementos argumentales. Los personajes tienen buena construcción, pero poca evolución y diferenciaciones internas.

Los diálogos son inteligentes, profundos e interesantes, pero el avance descriptivo y desenlace son obvios y caen en lugares comunes. Por otro lado, me gusto que el estilo de la película se asemeja un poco a grandísimas obras como Eterno resplandor de una mente sin recuerdos, Te amaré por siempre y Atrápame si puedes.

El director George Nolfi (guionista de esta cinta y del Ultimátum de Bourne) consigue adecuado nivel en su opera prima, con regular manejo del misterio, del suspenso y de las escenas románticas; pudo ser todo bastante mejor de haber demostrado mayor pulso como cabeza del proyecto. El ritmo es natural con momentos ágiles en los encuádres de persecusión. Las poquísimas y breves escenas de ballet están muy bien logradas y se sienten artísticas.

Los trabajos de Demon y Blunt  son satisfactorios para integrar una pareja romántica creíble y atractiva, aunque con menos escenas de las que se esperarían en un filme romántico. Ambos denotan entusiasmo, alegría, ilusión y amor cuando están juntos. Emily luce bellísima en cada fotograma en el que aparece.

El resto del reparto muestra buen nivel. Entre otros, tenemos a los actores John Slattery (Mad Men), Anthony Mackie, Terence Stamp y Michael Kelly.

Sobre el aspecto técnico, sobresalen el montaje, la fotografía y la banda sonora, autoría del espléndido Thomas Newton (Wall-E, Sueño de fuga, American Beauty) .

Obra recomendable por su original y complejo planteamiento y efectiva realización histriónica y de producción, a pesar de ser un colage de géneros que cuaja de modo forzado y poseer un libreto mediano.

Homenaje discreto y corto para Eterno resplador de una mente sin recuerdos, que nos invita a reflexionar si realmente somos libres (¿existirá el destino?).

Año: 2011

Género:  Ciencia ficción, romance, suspenso,  fantasía (experimental),  misterio

Valoración numérica ------------------> 7.75

1) Dirección: 7 (33.3%)

2) Desarrollo del guión: 7 (33.3%)

3) Actuaciones (promedio): 8.25 (16.6%)

.... Protagonistas: 8.5

        - Demon: 8.5

        - Blunt: 8.5

..... Secundarias: 8

4) Aspectos complementarios: 8.5 (16.6%)

.... Disfrute: 8

.... Argumento: 9.5

.... Originalidad del guión: 8.5

.... Diálogos: 8

5) Técnica: 3 décimas extras por montaje, fotografía y banda sonora original

Trailer

Nunca me abandones, enfermedad y esclavitud

Trama (sin spoiler):

Relato basado en la aclamada novela de Kazuo Ishiguro: "The Remains of the Day". Los huérfanos Kathy, Tommy y Ruth crecen juntos desde su nacimiento en el internado inglés Hailsham. Indebida- mente una maestra les revela a los alumnos el secreto del futuro que les espera  en esa institución, mismo que es funesto y aterrador.

Cuando llegan a la adolescencia son enviados a otro internado donde los preparan para cumplir su función de vida. Un triángulo amoroso entre los protagonistas y la conciencia de los sufrimientos que les esperan, amenazan con destruir su entrañable amistad.

Análisis y crítica:

Con el tema del sacrificio, Nunca me abandones nos presenta el asunto narrativo de ser felices mientras soportamos la incertidumbre de no conocer cuanto tiempo nos queda de salud y de vida; también el asunto argumental de la pérdida de nuestros seres queridos.

En tanto, hay dos mensajes. El primero es que la clonación de seres humanos con fines de donación de órganos es un asunto delicado y puede dar lugar a injusticias sociales y atentados a la dignidad del hombre. El segundo señala que todos somos mortales y que no podemos escapar de los sufrimientos propios de la existencia humana.

Otras ideas negativas son  la desigualdad entre los hombres, el miedo, la mentira, la carencia de libertad, el abuso físico y la falta de valoración hacia la salud y la vida humanas; positivas como la valentía, el amor, la amistad, la lealtad, la solidaridad y la responsabilidad.

El planteamiento de la película es rico y novedoso. El motivo de la clonación es adecuadamente utilizado para dar realse a las emociones e inquietudes de los personajes, sin estructurarse como lo principal de la historia. Los personajes son una especie de esclavos del destino y siempre conocen que perderán paulatinamente su salud y su vida.

De esta manera, en los 103 minutos de metraje se exponen temas profundos de la juventud,  como la pérdida, el sacrificio, el temor, el amor, la amistad, el deseo y los celos; ello a través de una completamente sobria presentación, con pocas anécdotas pero bien contadas.

Por su parte, el guión hace evolucionar el argumento de manera suficiente, sin tener puntos de demasiado brillo ni nada especial. El triangulo amoroso y el problema de la espectativa de la muerte carece de la intensidad suficiente, mas la estructura de la película es muy buena en su sencillez y los diálogos son veraces y oportunos.

La dirección de Mark Romanek es regular, con una película de ritmo semilento y estilo poético que no cuaja por completo. La presentación global es atractiva, pero deja qué desear por algunos lapsos de poco entretenimiento e intensidad.

La fotografía es positiva y artística, y la música muy elocuente y de fuertes matices emocionales, dotando a la cinta de un logrado sentido lírico (la considero la mejor del año). La banda sonora es obra de la reconocida Rachel Portman, autora de las melodías de Chocolate, Las reglas de la Casa de la Sidra y El embajador del miedo, entre otras.

Finalmente, todos ejercen altísimas interpretaciones; mención aparte para Carey Mulligan que sigue su carrera ascendente con otro cuasiperfecto trabajo. Su personaje, Kathy, se roba el film con su dulzura, inteligencia y afan de sacrificio. El amor que le profesa a Tommy es indeleble y constante, se refleja en su rostro e indica su sifrimiento.

Keira Knightley encarna a Ruth, la novia de Tommy de toda la vida; además, es la mejor amiga de Ruth, por lo que guarda sentimientos encontrados. Oculta sus verdaderas penas con una sonrisa y actitud desenfadada.

Por su parte,  Andrew Garfield hace un papel un tanto gris como Tommy, adolescente débil física y mentalmente, indeciso e introvertido. Sus escenas románticas jamás convencen.

Una película recomendable para los que gustan de presentaciones adecuadas y sobrias, con efectiva realización técnica e histriónica, aunque no tenga el mejor  nivel de entretenimiento ni de desarrollo guionístico.

Género: Drama, romance, ciencia ficción

Año: 2010

-------------> Valoración numérica: 7.65

1) Dirección: 7 (33%)

2) Desarrollo del guión: 7 (33%)

3) Actuación: 8.75 (16.6%)

---- Protagonista (Mulligan): 9.5

---- Secundarias: 8

4) Aspectos complementarios (prom.): 8 (16.6%)

---- Disfrute: 8

---- Argumento: 9

---- Originalidad del guión: 7

---- Diálogos: 8

5) Técnica:  2 décimas extras por fotografía y banda sonora original

Trailer

Amor y otras drogas, la adicción más común del hombre

Trama (sin spoiler):

Jamie Randall es un joven mujeriego y despreo- cupado, aunque también ambicioso y emprendedor. Cuando entra al negocio de las farmaceúticas como promotor, re- partiendo muestras médicas, conoce a Maggie Murdock, una chica enferma de Parkinson en primera etapa. Su belleza e inteligencia lo cautiva como nunca antes, impulsándolo a tomar conciencia y pensar qué es lo mejor para su vida.

Análisis y crítica:

Con el tema del sufrimiento, Amor y otras drogas nos presenta el asunto narrativo de triunfar en el trabajo y en el amor; ello dentro del asunto argumental de determinarse a realizar lo que sea necesario por la persona amada. El mensaje es que el amor verdadero implica muchos sacrificios.

La historia de 112 minutos contiene otras ideas positivas como la amistad, la hermandad, la inteligencia, la solidaridad y la valentía; negativas como la ambición, el miedo, la mentira y la traición.

Película de planteamiento en parte recurrente y obvio para una comedia romántica, pero tiene aspectos argumentales rescatables, es lógica y entretenida.

Nos topamos con una subtrama dramática convincente, interesante y aleccionadora, relativa a la enfermedad de Parkinson. Gracias a ella reconocemos un poco del sufrimiento y miedos por los que pasan los pacientes, el rechazo de las personas y las dificultades para llevar una vida lo más normal posible.

El guión es regular, con una trama llena de clichés y pocas sorpresas. Por otro lado, convina adecuadamente la comedia simple con la parte dramática y los personajes principales se hallan bien construidos, con diferenciaciones internas y evolución suficientes; en tanto, la trama se desarrolla sin contratiempos y su resolución es efectiva.

Los diálogos son cumplidores; sin embargo, en las partes de clímax, llegan a ser buenos y vibrantes.

Las actuaciones protagónicas de Jake Gyllenhaal y Anne Hathaway son satisfactorias. Los dos demuestran frescura y espotaneidad y nos regalan varias conmovedoras escenas.

La dirección de Edward Zwick, realizador de Defiance y Blood Diamond, igualmente resulta prudente, con buen manejo de la comedia y del drama, creando un filme de ritmo rápido, ligero, interesante y que empata emocionalmente con los espectadores. El manejo de los actores y los instantes eróticos también es adecuado.

Finalmente, en el aspecto técnico sobresale la edición y la música; está última, del maestro James Newton Howard.

Obra recomendable para pasar un rato agradable, con muchos momentos de risa y algunos de reflexión, y una trama con parcialidades inteligentes y conmovedoras.

Año: 2010
Género: Comedia romántica, drama

-------------> Valoración numérica: 7.57 (100%)

1) Dirección: 7.5 (33%)

2) Desarrollo del guión: 7 (33%)

3) Actuaciones (prom.): 8 (16.5%)

---- Protagonistas: 9

---- Secundarias: 7

4) Aspectos complementarios (prom.): 7.25 (16.5%)

---- Disfrute: 9

---- Argumento: 7

---- Originalidad del guión: 6

---- Diálogos: 7

5) Técnica: 2 décimas extras por edición y banda sonora original

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